Sinfonías de Mozart. Livanova

Aunque Mozart escribió más de 50 sinfonías, algunas de ellas (las primeras) se han perdido. El gran compositor escribió su primera sinfonía a la edad de ocho años y creó todas sus obras de este género en 25 años. Es difícil determinar qué sinfonías fueron escritas por Mozart, aunque existe una lista numerada de 41 obras. Pero tres de ellos son reconocidos como obras de otros compositores, la autoría del cuarto está en duda. Fuera de la lista oficial hay unas 20 sinfonías genuinas, ambas de Mozart, y muchas obras sinfónicas cuya autoría está en duda.

Las primeras sinfonías de Mozart sirvieron de introducción o final de la obra musical principal. Las últimas obras de este género musical se convirtieron en el evento principal de la velada de conciertos.

El género sinfónico fue inventado por compositores italianos. En el siglo XVIII fue adoptado por maestros de la música en Alemania y Austria. Hacia 1760, los compositores de tierras alemanas comenzaron a añadir un minueto a la composición, ubicándolo entre el movimiento lento y el final. En sus manos nació el género de la sinfonía en cuatro movimientos. La creciente complejidad del contenido de las obras musicales obligó a los compositores a profundizar en el contenido de cada una de las cuatro partes de la sinfonía. Así nació el género sinfónico vienés en el siglo XVIII.

En 1764, Mozart, de ocho años, escribió su primera sinfonía. Ya era conocido en Europa como un niño prodigio. La notación musical original de la primera sinfonía del compositor austriaco se conserva actualmente en la biblioteca de la Universidad Jagellónica (Cracovia).

Wolfgang y su padre Leopold viajaron por toda Europa. En Inglaterra, Mozart padre enfermó y padre e hijo se quedaron en Londres. Allí el joven músico escribió su primera sinfonía, y una placa conmemorativa en una casa de Ebury Street recuerda este acontecimiento a la gente moderna. La Sinfonía n.º 1 se interpretó por primera vez en febrero de 1765. La composición musical del joven Mozart estuvo influenciada por el estilo de su padre y del compositor londinense Johann Christian Bach, con quien los Mozart estaban familiarizados.

Mozart escribió las primeras obras sinfónicas dentro de la tradición italiana. Pero se guió por las sinfonías de Johann Christian Bach, un alemán que escribió bajo la influencia de la tradición italiana. Mozart escribió bajo la influencia de Bach mientras vivía y estudiaba en Londres cuando era adolescente. Bach alternó el fuerte y el piano al comienzo de sus sinfonías, y Mozart utilizó esta técnica en la mayoría de sus sinfonías.

En 1767, el joven Mozart visitó Viena. El conocimiento de la tradición musical vienesa enriqueció sus composiciones musicales: en las sinfonías apareció un minueto y el grupo de cuerdas se reponía con dos violas. En 1768, el joven compositor escribió cuatro sinfonías aprovechando su experiencia.

De 1770 a 1773, Wolfgang Amadeus Mozart trabajó duro y viajó. Durante este tiempo escribió 27 sinfonías. En los años siguientes no escribió ningún ensayo en este género. Finalmente, en 1778, mientras estaba en París, el compositor recibió el encargo de escribir una sinfonía para la apertura de la temporada de conciertos del día del Corpus Christi en los “Conciertos espirituales”. El nuevo trabajo implicó el uso de una gran cantidad de instrumentos, Mozart incluso escribió en el manuscrito: "Sinfonía para diez instrumentos".

Mozart escribió esta obra, numerada KV297, centrándose en ejemplos franceses de sinfonías. Al regresar a Salzburgo, el compositor compuso dos obras más de este género cercano al “estilo vienés”. En 1781-1788 Wolfgang vivió en Viena y en siete años en la capital austriaca creó cinco obras sinfónicas.

En agosto de 1788, Mozart completó el trabajo de la Sinfonía de Júpiter, que es la 41ª y última en la lista oficial de sus obras sinfónicas. La sinfonía recibió su nombre, como escribió el hijo del compositor Franz Mozart, del empresario Johann Salomon.

La razón tiene que ver con la música y la ciencia. El final de la obra recuerda a la sinfonía de Karl Ditters "La caída de Phaeton". Salomon sabía que los griegos llamaban al planeta Júpiter Faetón, así que con un poco de ironía le dio un nombre majestuoso a la sinfonía de Mozart. La última sinfonía de Mozart obtuvo elogios de la crítica y pronto fue reconocida como una obra maestra.

Existe una lista de 39 sinfonías que originalmente fueron atribuidas al compositor austriaco. Su autoría fue posteriormente rechazada o cuestionada.

Existen varios motivos por los que algunas obras musicales han sido atribuidas erróneamente a Mozart:

• El joven austriaco transcribía partituras de otros compositores para poder estudiarlas. Cuando se descubrieron grabaciones de sinfonías escritas por Mozart, se le atribuyeron erróneamente. Así, a Wolfgang se le atribuyeron varias obras de su padre Leopold Mozart.
• Mozart, convertido en un compositor reconocido, incluyó sinfonías de jóvenes músicos en las partituras de sus conciertos. Aunque presentó al público al verdadero autor, a veces persistía la confusión.
• En el siglo XVIII se publicaron pocas notaciones musicales y las versiones manuscritas circularon ampliamente, lo que contribuyó a la confusión.
• Algunas de las sinfonías de Mozart se han perdido. Por lo tanto, los hallazgos de manuscritos de obras musicales en lugares asociados con el maestro austriaco se le atribuyeron apresuradamente hasta que se encontraron refutaciones.

La complejidad de la cuestión de cuántas sinfonías escribió Mozart muestra que incluso un genio al comienzo de su carrera no está libre de imitaciones. La confusión sobre las sinfonías atribuidas al compositor se debe en parte a sus experiencias de aprendizaje utilizando obras de otros maestros.

El destacado compositor austriaco W. A. ​​​​Mozart es uno de los representantes de la escuela. Su don se manifestó desde la primera infancia. Las obras de Mozart reflejan las ideas del movimiento Sturm und Drang y la Ilustración alemana. La experiencia artística de diversas tradiciones y escuelas nacionales se traduce en música. Los más famosos, cuya lista es enorme, han ocupado su lugar en la historia del arte musical. Escribió más de veinte óperas, cuarenta y una sinfonías, conciertos para varios instrumentos y orquesta, obras instrumentales de cámara y para piano.

Breve información sobre el compositor.

Wolfgang Amadeus Mozart (compositor austriaco) nació el 27 de enero de 1756 en la bella ciudad de Salzburgo. ¿Además de componer? fue un excelente clavecinista, director de orquesta, organista y virtuoso violinista. Tenía una memoria absolutamente asombrosa y una pasión por la improvisación. Wolfgang Amadeus Mozart es uno de los más grandes no solo de su tiempo, sino también del nuestro. Su genio se reflejó en obras escritas en diversas formas y géneros. Las obras de Mozart siguen siendo populares hoy en día. Y esto indica que el compositor ha pasado la “prueba del tiempo”. Su nombre se menciona con mayor frecuencia junto con el de Haydn y Beethoven como representante del clasicismo vienés.

Biografía y camino creativo. 1756-1780 años de vida

Mozart nació el 27 de enero de 1756. Empecé a componer temprano, aproximadamente desde los tres años. Mi padre fue mi primer profesor de música. En 1762 emprendió con su padre y su hermana un gran viaje artístico por varias ciudades de Alemania, Inglaterra, Francia, Suiza y los Países Bajos. En esta época se crearon las primeras obras de Mozart. Su lista se está ampliando gradualmente. Desde 1763 vive en París. Crea sonatas para violín y clavecín. En el período 1766-1769 vivió en Salzburgo y Viena. Le gusta sumergirse en el estudio de las composiciones de grandes maestros. Entre ellos se encuentran Handel, Durante, Carissimi, Stradella y muchos otros. En 1770-1774. ubicado principalmente en Italia. Conoce al entonces famoso compositor Josef Mysliveček, cuya influencia se puede rastrear en los trabajos posteriores de Wolfgang Amadeus. En 1775-1780 viajó a Munich, París y Mannheim. Experimentar dificultades financieras. Pierde a su madre. Muchas de las obras de Mozart fueron escritas durante este período. La lista de ellos es enorme. Este:

• concierto para flauta y arpa;
• seis sonatas para teclado;
• varios coros espirituales;
• la Sinfonía 31 en clave de re mayor, que se conoce como Sinfónica de París;
• doce números de ballet y muchas otras composiciones.

Biografía y camino creativo. 1779-1791 años de vida

En 1779 trabajó en Salzburgo como organista de la corte. En 1781 tuvo lugar en Múnich el estreno de su ópera Idomeneo con gran éxito. Este fue un nuevo giro en el destino de la personalidad creativa. Luego vive en Viena. En 1783 se casó con Constanza Weber. Durante este período, las obras operísticas de Mozart tuvieron un desempeño deficiente. La lista de ellos no es tan larga. Se trata de las óperas L'oca del Cairo y Lo sposo deluso, que quedaron inconclusas. En 1786 se escribió su excelente “Las bodas de Fígaro” sobre un libreto de Lorenzo da Ponte. Se representó en Viena y obtuvo un gran éxito. Muchos consideraron que ésta era la mejor ópera de Mozart. En 1787 se publicó una ópera igualmente exitosa, que también fue creada en colaboración con Lorenzo da Ponte. Luego recibió el cargo de “músico de cámara imperial y real”. Por lo que le pagan 800 florines. Escribe danzas para mascaradas y ópera cómica. En mayo de 1791, Mozart fue contratado como director asistente de la catedral, sin recibir remuneración, pero tras la muerte de Leopold Hofmann (que estaba muy enfermo) tuvo la oportunidad de ocupar su lugar. Sin embargo, esto no sucedió. En diciembre de 1791 murió el brillante compositor. Hay dos versiones sobre la causa de su muerte. La primera es una complicación después de una enfermedad con fiebre reumática. La segunda versión es similar a la leyenda, pero cuenta con el apoyo de muchos musicólogos. Se trata del envenenamiento de Mozart por parte del compositor Salieri.

Grandes obras de Mozart. Lista de ensayos

La ópera es uno de los principales géneros de su obra. Tiene ópera escolar, singspiel, ópera seria y buffa, además de gran ópera. De la pluma del compo:

• ópera escolar: "La metamorfosis de Jacinto", también conocida como "Apolo y Jacinto";
• series de ópera: "Idomeneo" ("Elías e Idamant"), "La misericordia de Tito", "Mithridates, rey del Ponto";
• óperas bufa: “El jardinero imaginario”, “El novio engañado”, “Las bodas de Fígaro”, “Todos son así”, “El ganso de El Cairo”, “Don Giovanni”, “El simplón fingido”;
• Singspiel: "Bastien y Bastienne", "Zaida", "El rapto del serrallo";
• gran ópera: "ópera La Flauta Mágica";
• ballet de pantomima "Baratijas";
• masas: 1768-1780, creadas en Salzburgo, Munich y Viena;
• Réquiem (1791);
• oratorio "Vetulia Liberada";
• cantatas: “David penitente”, “La alegría de los masones”, “A ti, alma del universo”, “Pequeña Cantata masónica”.

Wolfgang Amadeus Mozart. obras para orquesta

Las obras para orquesta de W. A. ​​​​Mozart son sorprendentes por su escala. Este:

• sinfonías;
• conciertos y rondos para piano y orquesta y violín y orquesta;
• conciertos para dos violines y orquesta en clave de do mayor, para violín y viola y orquesta, para flauta y orquesta en clave de oboe y orquesta, para clarinete y orquesta, para fagot, para trompa, para flauta y arpa (do mayor );
• conciertos para dos pianos y orquesta (mi bemol mayor) y tres (fa mayor);
• divertimentos y serenatas para orquesta sinfónica, conjunto de cuerda y viento.

Piezas para orquesta y conjunto

Mozart compuso mucho para orquesta y conjunto. Trabajos famosos:

• Galimathias música (1766);
• Maurerische Trauermusik (1785);
• Ein musikalischer Spa (1787);
• marchas (algunas de ellas sumadas a serenatas);
• danzas (contradanzas, landlers, minuetos);
• sonatas de iglesia, cuartetos, quintetos, tríos, dúos, variaciones.

Para clave (piano)

Las obras musicales de Mozart para este instrumento son muy populares entre los pianistas. Este:

• sonatas: 1774 - Do mayor (K 279), fa mayor (K 280), sol mayor (K 283); 1775 - Re mayor (K 284); 1777 - Do mayor (K 309), Re mayor (K 311); 1778 - La menor (K 310), Do mayor (K 330), La mayor (K 331), Fa mayor (K 332), Si bemol mayor (K 333); 1784 - Do menor (K 457); 1788 - Fa mayor (K 533), Do mayor (K 545);
• quince ciclos de variaciones (1766-1791);
• rondó (1786, 1787);
• fantasías (1782, 1785);
• diferentes jugadas.

Sinfonía nº 40 de W. A. ​​Mozart

Las sinfonías de Mozart se crearon entre 1764 y 1788. Las tres últimas se convirtieron en el mayor logro de este género. En total, Wolfgang escribió más de 50 sinfonías. Pero según la numeración de la musicología rusa, la última se considera la 41ª sinfonía (“Júpiter”).

Las mejores sinfonías de Mozart (núms. 39-41) son creaciones únicas que desafían la tipificación establecida en aquella época. Cada uno de ellos contiene una idea artística fundamentalmente nueva.

La Sinfonía n.º 40 es la obra más popular de este género. El primer movimiento comienza con una excitada melodía de violines en una estructura de preguntas y respuestas. La parte principal recuerda al aria de Cherubino de la ópera "Las bodas de Fígaro". La parte lateral es lírica y melancólica, contrastando con la principal. El desarrollo comienza con una pequeña melodía de fagot. Surgen entonaciones lúgubres y lúgubres. Comienza la acción dramática. La repetición aumenta la tensión.

En la segunda parte prevalece un ambiente tranquilo y contemplativo. Aquí también se utiliza la forma sonata. El tema principal lo interpretan las violas y luego lo retoman los violines. El segundo tema parece estar “revoloteando”.

El tercero es tranquilo, gentil y melodioso. El desarrollo nos devuelve a un estado de ánimo excitado, aparece la ansiedad. La repetición es nuevamente una brillante reflexión. El tercer movimiento es un minueto con elementos de marcha, pero en tres cuartos. El tema principal es valiente y decisivo. Se interpreta con violines y flauta. En el trío emergen sonidos pastorales transparentes.

El trepidante final continúa el dramático desarrollo, alcanzando el punto más alto: el clímax. La ansiedad y la emoción son inherentes a todas las secciones de la cuarta parte. Y sólo los últimos compases hacen una pequeña declaración.

W. A. ​​​​Mozart fue un excelente clavecinista, director de orquesta, organista y virtuoso violinista. Tenía un oído absoluto para la música, una memoria excelente y ganas de improvisar. Sus excelentes obras han ocupado su lugar en la historia del arte musical.

Los géneros de música sinfónica creados por Mozart incluyen sinfonías, serenatas, divertimentos, casaciones (un género cercano a la serenata), conciertos para varios instrumentos con orquesta.

A lo largo de su vida, Mozart trabajó simultáneamente en óperas y obras instrumentales, lo que condujo a su influencia mutua: la música operística se enriquece con técnicas de desarrollo sinfónico, la música instrumental está imbuida de melodiosa. Muchas imágenes musicales de las obras sinfónicas y de cámara de Mozart se acercan a las arias y conjuntos de sus óperas (GP. I movimiento de la sinfonía nº 40 y el aria de Cherubino “No puedo decirlo, no puedo explicarlo”; el “aria con un retrato” de “La Flauta Mágica” y tema II movimiento de la sinfonía No. 40).

Imágenes de las sinfonías de Mozart:

lírico

bailar

dramático

filosófico.

El dramatismo a menudo se lograba mediante la presencia de elementos contrastantes dentro de un tema, un rasgo característico del estilo de Mozart, que se desarrolló en la obra de Beethoven (GP del primer movimiento de la sinfonía n.° 41 “Júpiter”, que consta de 2 elementos contrastantes: valiente-heroico y lírico). La presencia de dos elementos contrastantes en un tema es un estímulo para el posterior desarrollo, comparación y colisión de varias imágenes musicales.

Mozart escribió sus primeras sinfonías a la edad de 8 años, bajo la impresión de las sinfonías de I.K. Llevar una vida de soltero. Las primeras sinfonías de Mozart se acercan a una suite, una serenata, un divertimento y no tienen una unidad orgánica del ciclo.

Las tres sinfonías más famosas de Mozart fueron creadas en 1788:

No. 39 Es-dur: heroico-dramático, ligero, basado en temas de danza;

No. 40 g-moll: líricamente expresivo, reverentemente emocionado. A veces se le llama "wertheriano", porque. ésta, al igual que "Las penas del joven Werther" de Goethe, nació en la atmósfera del período de "Tormenta y Drang" con su intensa emotividad y efusión de sentimientos, anticipando así el sinfonismo romántico.

No. 41 C-dur (“Júpiter”) - majestuoso, monumental (el nombre no fue dado por Mozart). Su peculiaridad es que todo desarrollo conduce a un final monumental, que corona la sinfonía, como una majestuosa cúpula que corona una grandiosa catedral (el final es una combinación de sonata allegro y triple fuga).

Uno de los lugares importantes de la obra de Mozart lo ocupan los conciertos para diversos instrumentos acompañados de una orquesta. El concierto de tipo clásico contiene dos exposiciones:

I - exposición de orquesta, que presenta el material temático principal.

II - exposición del instrumento solista.

La parte solista se distinguió por su virtuosismo. La cadencia virtuosa libre (después de K64 antes de la coda del primer movimiento) fue diseñada para la improvisación del solista. Recién en el siglo XIX las cadencias comenzaron a ser compuestas por el propio compositor. La segunda parte del concierto es lenta, la tercera parte es un final de género.

Entre los numerosos conciertos de Mozart destacan los de piano: re-moll, do-moll, do-dur, es-dur; violín - D-dur, A-dur. Se trata de obras maestras de la música de concierto y sinfónica. Los conciertos de Mozart no son menos sinfónicos que sus sinfonías.

La orquesta de Mozart tiene la misma composición que la orquesta de Haydn (emparejada). Sin embargo, Mozart aprovechó más las propiedades expresivas de los instrumentos, su melodía (especialmente las cuerdas).

Mozart, junto con Haydn, creó un ciclo sonata-sinfónico clásico asociado con géneros como sinfonía, sonata, concierto, cuarteto, quinteto, etc. Al mismo tiempo, su ciclo sonata-sinfónico representa una nueva etapa en el desarrollo de esta estructura. , que se manifiesta más claramente en la creatividad sinfónica.

La mayoría de las sinfonías fueron escritas por Mozart antes del período vienés. En las primeras sinfonías hay una conexión con las primeras sinfonías de Haydn y los compositores de la escuela de Mannheim. Sin embargo, la individualidad del estilo de Mozart ya es evidente en estas sinfonías. Las obras más interesantes de este género incluyen las últimas siete sinfonías creadas en Viena. En general, las sinfonías de Mozart representan un tipo de sinfonismo posterior al de Haydn. Su tono es más intenso, excitado, dramático, lo que se refleja en la forma de las obras. Mozart realza el contraste entre temas, especialmente entre la parte principal y la secundaria. Los juegos paralelos, por regla general, se basan en material temático nuevo. Pero los temas, a pesar del contraste, se complementan. El compositor introduce a menudo un contraste intratemático, es decir. contraste entre diferentes elementos de un mismo tema.

Las sinfonías de Mozart son ricas en temas temáticos, una parte puede tener varios temas. Los desarrollos son breves y concisos. Las técnicas de desarrollo son muy diferentes: fragmentación, variación, técnicas polifónicas, etc. Hay muchas innovaciones en las repeticiones respecto a la exposición.

En las sinfonías de Mozart existe una conexión con la creatividad operística: 1) algunos temas se acercan a la bufonada; 2) muchos temas se basan en el principio del diálogo operístico.

La orquesta, como la de Haydn, es doble. Las mejores sinfonías del compositor fueron creadas en 1788, estas son las sinfonías n.° 39 (mi bemol mayor), n.° 40 (sol menor) y n.° 41 “Júpiter” (do mayor).

SINFONÍA N° 40.

La sinfonía consta de 4 movimientos, su tonalidad es Sol menor.

No hay introducción.

Primera parte– sonata Allegro, sol menor . partido principal– a la vez melodioso y excitante, contiene un segundo motivo, un movimiento ascendente en el compás 6, seguido de un relleno descendente paso a paso. La tonalidad es lo principal. Lote lateral– más elegante, que se asocia con entonaciones cromáticas. La tonalidad es si bemol mayor. El desarrollo se basa únicamente en el tema de la parte principal, que gracias a las técnicas de aislamiento y polifonía, así como a la inestabilidad tonal, adquiere un carácter más intenso y dramático. En la repetición, las diferencias significativas con la exposición son, en primer lugar, el desarrollo más amplio de la parte de conexión y, en segundo lugar, el mantenimiento de la parte lateral en el tono principal, lo que le da un tono más melancólico.

Segunda parte– Andante, mi bemol mayor. La forma es sonata. Carácter: brillante, tranquilo, las partes principal y lateral tienen poco contraste. EN partido principal– repeticiones sonoras y paradas ascendentes típicas de Mozart, En el lado– motivos de cuartos descendentes.

la tercera parte– Minueto, sol menor. Forma – 3 partes con trío. Las partes extremas representan no tanto una danza como un estado psicológico interno con un toque de dramatismo. Al final del primer tema se escucha un movimiento cromático descendente, presente en la parte lateral del primer movimiento. La parte media es más tradicional y tiene carácter bailable.

Cuarta parte– final, sol menor. La forma es sonata. partido principal consta de dos elementos contrastantes: el primero lo interpretan únicamente las cuerdas en el piano y se basa en los sonidos de la tríada tónica, el segundo lo interpreta toda la orquesta en forte e incluye el canto. . Lote lateral cerca de la parte lateral del primer movimiento, también es elegante, gracias a los movimientos cromáticos, también está escrito en paralelo mayor, y en la repetición, en el tono principal, lo que le da el mismo tono melancólico.

OBRA CLAVIER DE MOZART.

La obra para teclado de Mozart está representada por varios géneros: sonatas, variaciones, fantasías, rondos, etc. En estas obras, el compositor, por un lado, continuó las tradiciones de Johann Sebastian Bach, su hijo Philip Emmanuel, así como Haydn, y por el otro, mostró una actitud innovadora hacia ellos.

SONATA EN MAYOR.

La Sonata en La mayor consta de 3 movimientos. Su característica inusual es que ni un solo movimiento está escrito en forma de sonata.

Primera parte– tema con variaciones, La mayor. El tema se presenta en el género siciliano. El personaje es brillante, lírico, melodioso. La textura es transparente, la forma es reconocible en dos partes. Las variaciones son clásicas, porque conservan las características principales del tema: modo, tonalidad, tempo, tamaño, forma, plan armónico. Al mismo tiempo, aparecen nuevos elementos en cada variación: en la primera variación - bajo sincopado, retrasos cromáticos, en la segunda - trillizos acompañados y elegantes melismas en la voz superior, en la tercera - la mayor es reemplazada por notas menores, incluso semicorcheas. aparecen duraciones, en la cuarta - manos cruzadas, en la quinta - el tempo se vuelve más lento (Adagio en lugar de Andante), y las duraciones son más pequeñas (treinta segundos), en la última sexta variación el tempo se vuelve más rápido (Allegro), el tamaño cambia (4/4 en lugar de 6/8).

Segunda parte– Minueto, La mayor, forma – 3 partes con trío, continúa el carácter bailable del primer movimiento.

la tercera parte– rondó en estilo turco, La menor. La forma consta de tres partes con un estribillo adicional, que se presenta en La mayor e imita algunas características de las marchas de los jenízaros. La parte media suena en clave de fa sostenido menor. El movimiento final termina con una coda en La mayor.

SONATA EN DO MENOR.

La Sonata es única porque comienza con una gran introducción: la Fantasía. Fantasía Consta de 6 secciones, construidas según el principio de alternancia contrastante. Las secciones inestables se alternan con las estables, las lentas con las rápidas, las mayores con las menores.

Sección 1, do menor: inestable, tensa, dramática con un tema contrastante; Sección 2, re mayor – lírica ligera; Sección 3 – rápida, dramática, con cambios contrastantes de tonalidad y tema temático; La sección 4, si bemol mayor, se parece a la 2ª; La sección 5 incluye una secuencia de cuarto quinto, rápida, intensa; en la sexta sección se repite el material de la primera sección, lo que le da unidad y plenitud a toda la pieza.

Primera parte, sonata Allegro, do menor . partido principal– dramático, contrastante, su contraste se deriva del primer tema de Fantasía . Parte de enlace Incluye un nuevo tema intermedio que anticipa el tema secundario. . Lote lateral contiene una imagen nueva, más ligera y lírica en relación a la parte principal, su tonalidad es Mi bemol mayor . Desarrollo– corto, incluye 25 compases, desarrolla los temas principales e intermedios . Vuelta cambiado significativamente, en él el tema intermedio de la exposición se reemplaza por uno nuevo, el tema secundario se presenta en la tonalidad principal. La primera parte termina código, que se basa en el primer elemento del partido principal.

Segunda parte, Adagio, mi bemol mayor, forma – 3 partes. El personaje es tranquilo, narrativo, el tema está coloreado con patrones elegantes.

la tercera parte, Assai allegro, do menor, forma – sonata rondó. Las partes principal y lateral contrastan: al carácter inquieto y excitado de la parte principal se opone la ligera parte lateral principal.

W. A. ​​MOZART. RÉQUIEM.

"Réquiem" es la mayor creación de Mozart y, junto con la "Pasión" de Bach, es una de las tragedias más impresionantes del arte musical del siglo XVIII.

"Requiem" se llama el "canto del cisne" del compositor. Esta es su última composición, que no tuvo tiempo de terminar. El trabajo en esta obra fue completado por el amigo y alumno de Mozart, Süssmayer, basándose en los bocetos y bocetos del compositor, así como en lo que el propio Mozart tocó para él. "Requiem" fue creado simultáneamente con la ópera "La Flauta Mágica". Es difícil imaginar dos obras más diferentes. "La Flauta Mágica" es un cuento de hadas brillante y alegre, "Réquiem" es una misa fúnebre trágica.

Mozart recurrió antes al género de cantatas y oratorios. Escribió motetes, cantatas y misas. A pesar de los textos espirituales, estas obras están infinitamente lejos de la música religiosa y se diferencian poco de las obras seculares. Un ejemplo es el final del motete solista "Hallelujah", una típica aria virtuosa de tipo operístico.

En sus obras sobre textos espirituales, Mozart predicó las ideas de la Ilustración y pidió la fraternidad y el amor universales.

Las mismas ideas se reflejaron en Réquiem. Aquí el compositor revela el mundo más rico de las experiencias humanas, encarna su amor por la vida, por las personas.

El propio género de la misa presupone la presencia de polifonía. Mozart estudió en detalle el arte de J.S. Bach, utilizó ampliamente técnicas polifónicas en su obra.

Prueba de ello son obras como los conciertos para piano en re menor y do menor, la fantasía en do menor y el gran final de la sinfonía de Júpiter.

"Requiem" es el pináculo de la maestría polifónica de Mozart. Esta obra refleja casi todas las técnicas de la escritura polifónica: imitación, contrapunto, doble fuga, etc.

“Réquiem” consta de 12 números, de los cuales 9 fueron escritos para coro y orquesta, 3 para cuarteto de solistas. La obra incluye números tradicionales característicos de cualquier misa (“Señor, ten piedad”, “Santo”, “Cordero de Dios”), así como partes obligatorias que pertenecen únicamente a la misa fúnebre (“Descanso eterno”, “Día de la ira” , "Trompeta maravillosa", "Lloroso").

1 parte consta de 2 secciones: 1 sección – lenta – “Requiem aeternam” (“Paz eterna”), 2 sección – rápida – doble fuga “Kyrie eleison” (“Señor, ten piedad”);

parte 2– “Dies irae” - “Día de la ira”. Esta es una imagen del Juicio Final;

parte 3– “Tuba mirum” - “Trompeta maravillosa”. Comienza con una fanfarria de trompeta, luego entran uno a uno los solistas (bajo, tenor, alto, soprano) y suena todo el cuarteto al unísono;

parte 4– “Rex tremendae” - “Terrible Señor”;

parte 5– “Recordare” - “Recordar”;

Parte 6– “Confutatis maledictis” - “Rechazar a los condenados” es un ejemplo de increíble coraje e innovación en el campo de la armonía;

parte 7– “Lacrymoza” - “Tearful”, esta es la culminación lírico-dramática de toda la obra;

parte 8– “Domine Yesu” - “Señor”;

parte 9– “Hostias” - “Víctimas”;

parte 10– “Sanctus” - “Santo”;

parte 11– “Benedictus” - “Bendito”;

parte 12– “Agnus Dei” - “Cordero de Dios”.

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770 – 1827).

Música de la Revolución Francesa. La revolución burguesa francesa de 1789 fue el comienzo de una etapa muy importante en el desarrollo de la historia. Tuvo una gran influencia en varios aspectos de la vida, incluida la música. Durante la era de la Revolución Francesa, la música adquirió un carácter democrático de masas. Fue en esta época cuando se creó el Conservatorio de París. En las calles y plazas se representaron representaciones teatrales y se llevaron a cabo celebraciones masivas.

Los nuevos tiempos exigían una actualización del estilo. Cartel, el arte extremadamente generalizado pasa a primer plano. En las obras musicales predomina el ritmo de marchas, marchas y formas sencillas de acompañamiento.

Las calles y plazas exigían grandes orquestas con un sonido potente, por lo que el grupo de instrumentos de metal se expandió significativamente.

Surgieron nuevos géneros musicales, en particular la canción de masas. Los ejemplos incluyen “Marsellesa” de Rouget de Lisle, “Carmagnola”. Cantatas, oratorios y óperas se llenaron de contenidos nuevos. En el campo de la ópera apareció un nuevo género: la ópera "La salvación y el horror", que mostraba la lucha por salvar al héroe, que siempre terminaba con la victoria del bien sobre el mal. Al mismo tiempo, la trama de estas óperas incluía escenas de terror y situaciones dramáticas. La primera obra de este tipo fue la ópera "Los horrores del monasterio" de Henri Berton. La ópera "Salvación y horror" introdujo muchas cosas nuevas en el género de la ópera: 1) la gente corriente se convirtió en héroes, no en individuos excepcionales; 2) la esfera de la entonación se ha ampliado, acercándose a la música cotidiana; 3) ha aumentado el papel de la sinfonía y el desarrollo transversal.

Características de la creatividad de Beethoven. La Revolución Francesa, a pesar de la importancia de toda la cultura en su conjunto, no produjo más que un compositor francés destacado que reflejara sus ideas. Tal compositor fue el brillante representante de la música alemana, Ludwig van Beethoven, cuyo arte va mucho más allá de los límites de su época. La obra de todos los románticos, músicos y compositores rusos del siglo XX está relacionada con la obra de Beethoven.

Beethoven fue contemporáneo de los poderosos movimientos revolucionarios de principios de los siglos XVIII y XIX, y su obra estuvo asociada tanto con las ideas de la Revolución Francesa como con el movimiento revolucionario en Alemania y otros países europeos.

Los orígenes de la obra de Beethoven: 1) Cultura francés. La conoció en Bonn, una ciudad situada cerca de Francia, y donde a menudo se escuchaba la música de los compositores franceses, especialmente Grétry y Monsegny. Además, Beethoven estaba cerca de los lemas de la Revolución Francesa: “Libertad, Igualdad y Fraternidad”;

2) filosofía alemana asociado con el movimiento Sturm und Drang y el culto a la personalidad fuerte;

3) los más ricos cultura musical alemana, obra de sus destacados representantes: Bach, Handel, Gluck, Haydn, Mozart.

Beethoven es el último representante del clasicismo vienés. Mucho lo hace similar a sus predecesores, pero también mucho lo distingue de ellos. La principal diferencia es el uso de temas civiles. . El tema principal de la obra de Beethoven. - sujeto "héroe" y la gente ». El héroe siempre gana, pero su lucha es difícil y tiene que superar muchos obstáculos.

El nuevo tema también dio lugar a nuevos medios de expresión, incluida una nueva interpretación del ciclo sonata-sinfónico:

1) el protagonismo se da a imágenes patéticas, heroicas y dramáticas;

2) las obras están llenas de continuo desarrollo. El desarrollo prevalece sobre la exposición;

3) entre los temas no hay solo un contraste, sino un conflicto, especialmente entre los temas de los partidos principales y secundarios;

4) se utiliza el principio de contraste derivativo, es decir el contraste se combina con la unidad por lo que se manifiesta en la comunidad de entonaciones entre las partes principal y secundaria (temas independientes, entonaciones comunes);

5) los temas heroicos a menudo se basan en los sonidos de tríadas e incluyen ritmos parecidos a las marchas.

Otro tema importante en la obra de Beethoven es letra . El compositor transmite todas las sutilezas de los sentimientos y estados de ánimo humanos. Pero la franqueza de una declaración lírica siempre está restringida por la voluntad de la mente. No es casualidad que R. Rolland llamara a Beethoven “un arroyo de fuego en un canal de granito”. Esta cualidad de la letra del compositor se manifiesta en la severidad de la forma, en la consideración y la integridad de las partes.

El tercer tema principal de la música de Beethoven es tema de la naturaleza , a la que están dedicadas muchas de sus obras, entre ellas la sexta sinfonía “Pastoral”, la 15ª sonata “Pastoral”, la 21ª sonata “Aurora”, movimientos lentos de sonatas, sinfonías, conciertos, etc.

Beethoven trabajó en casi todos los géneros musicales. Escribió 9 sinfonías, 32 sonatas para piano, 10 sonatas para violín, 5 conciertos para piano, oberturas, entre ellas “Egmont”, “Coriolanus”, “Leonora No. 3”, la ópera “Fidelio”, el ciclo vocal “A un amado lejano”. , misas y etc. Pero los principales géneros de su obra son el sinfónico y el instrumental de cámara.

Beethoven resumió la era más importante de la historia de la música: el clasicismo y, al mismo tiempo, abrió el camino a una nueva era: el romanticismo. Esto se evidencia en las siguientes características de su obra: 1) la audacia del lenguaje armónico, el uso de relaciones tonales distantes mayor-menor, cambios bruscos de tonalidades; 2) formas más libres, una desviación de los cánones clásicos, especialmente en las sonatas posteriores; 3) síntesis de las artes, principalmente música y literatura (final de la novena sinfonía); 4) recurrir a un género tan romántico como el ciclo vocal (“A un amado lejano”), etc.

La obra para piano de Beethoven. "La música debe encender el fuego del corazón de las personas": estas palabras de Beethoven dan una idea de la grandeza de las tareas que se propuso a sí mismo y al arte en general. Los pensamientos sobre la historia, sobre el destino de los pueblos, inspirados en el espíritu de revolución, son la base del tema temático de todas las obras de Beethoven, incluidas sus sonatas para piano. Según B. Asafiev, "las sonatas de Beethoven son toda la vida de una persona".

Beethoven trabajó en sonatas para piano durante toda su vida. Siendo un gran virtuoso, mostró las inagotables capacidades expresivas de un instrumento que aún no era perfecto en ese momento. Si la sinfonía era para Beethoven la esfera de ideas monumentales, entonces en las sonatas transmitía la vida interior de una persona, el mundo de sus experiencias y sentimientos. Beethoven escribió 32 sonatas para piano, y ya en la primera sonata en fa menor se revelan rasgos individuales brillantes, diferentes de Haydn y Mozart. Beethoven rompe audazmente las formas tradicionales y resuelve el problema del género de la sonata de una manera nueva, así como Bach destruyó los cimientos de la polifonía estricta y creó un estilo polifónico libre.

Las sonatas de Beethoven demuestran la evolución de este género en la obra del compositor. En las primeras sonatas el ciclo oscila entre 3 y 4 partes, en el período medio predominan las 3 partes, aparece una tendencia a comprimir el ciclo y aparecen sonatas de 2 partes (19, 20). En las sonatas posteriores, cada composición es individual.

SONATAS PARA PIANO DE BEETHOVEN.

SONATA N° 8 “PATÉTICA”».

Primera parte comienza lento presentaciones (Introducción, Tumba ) , que contiene la imagen principal de la obra: dramática, intensa. Este es el centro semántico del contenido de la sonata, que da testimonio de la innovación de Beethoven y traza el camino hacia la creación de la música leitmotiv. La entonación inicial es un movimiento progresivo ascendente que finaliza con un segundo descendente. La naturaleza dramática del tema está asociada con la armonía del acorde de séptima disminuida, el ritmo punteado y las entonaciones claramente definidas. En la introducción hay un contraste y una yuxtaposición de dos imágenes: dramática y lírica. La colisión y alternancia de principios contradictorios es la esencia de la Introducción. En un mayor desarrollo, la entonación inicial cambia a un modo mayor (mi bemol mayor) y suena piano y los acordes amenazantes posteriores – fuerte. De este modo se crea no sólo un contraste figurativo, sino también dinámico.

partido principal presentado en la tonalidad principal (do menor). Lo que es inusual es que está construido sobre un punto de órgano tónico y contiene una desviación en S, que es más típica de las secciones finales. . Lote lateral consta de dos temas. El primer tema, rápido, excitado, no suena en la tonalidad tradicional (mi bemol mayor), sino en mi bemol menor. En el bajo hay un punto de órgano D, que tampoco es típico de las secciones de exposición. La punta del órgano es típica de las construcciones evolutivas. El segundo tema de la parte lateral restaura la tonalidad más familiar del paralelo mayor y se presenta en mi bemol mayor. Ella está más tranquila, porque... incluye duraciones largas y es más ilustrado. El desarrollo comienza con el tema de introducción, el cual es notablemente acortado, y desarrolla principalmente el tema de la parte principal. La repetición repite el material de la exposición, pero en diferentes relaciones tonales: el primer tema de la parte lateral está en clave de fa menor en lugar de do menor. La clave principal regresa en el segundo tema de la parte lateral. La primera parte finaliza con una coda, en la que se vuelve a escuchar el tema inicial.

Segunda parte– el centro lírico de la sonata. Se presenta en clave de La bemol mayor y tiene una estructura de tres partes. Este es un ejemplo del lirismo típico de Beethoven: el tema es melódico, pero tiene un carácter estricto y sobrio. En la parte media, la música adquiere un sonido más intenso, porque comienza en la bemol menor, es de naturaleza inestable e incluye trillizos. La repetición es dinámica, en la que el tema original se desarrolla en el contexto de un movimiento triplete tomado del movimiento medio.

la tercera parte escrito en la tonalidad principal, la forma es rondó sonata. La principal diferencia con la forma sonata es que al final de la exposición, después de la parte final, se repite el tema de la parte principal. La parte principal se vuelve a escuchar al final de la repetición. En lugar de desarrollo, un episodio en la bemol mayor. El tema de la parte principal está relacionado entonacionalmente con el primer tema de la parte secundaria de la primera parte. La parte lateral se dispone en paralelo mayor.

SONATA N° 14 “LUNA”

Esta sonata fue compuesta en 1801 y publicada en 1802. Está dedicado a la condesa Giulietta Guicciardi. El nombre de “lunar” se lo dio el poeta contemporáneo de Beethoven, Ludwig Relstab, quien comparó la música de la primera parte de la sonata con el paisaje del lago Firwaldstät en una noche de luna.

Beethoven creó esta sonata durante un período difícil de su vida. Por un lado, ya le había llegado la fama como compositor y virtuoso, era invitado a las casas de la nobleza más eminente y tenía muchos mecenas. Por otro lado, le asustaba la aparición de la sordera, que progresaba cada vez más. La tragedia de un músico que perdió la audición se vio agravada por la tragedia de un hombre que experimentó un sentimiento de amor no correspondido. El sentimiento por Julieta Guicciardi fue, aparentemente, la primera pasión amorosa profunda de Beethoven y la primera decepción igualmente profunda. En octubre de 1802, el compositor escribió el famoso "Testamento de Heiligenstadt", un trágico documento de su vida, en el que se combinan pensamientos desesperados sobre la pérdida de audición con la amargura de un amor engañado.

“Moonlight Sonata” es una de las primeras composiciones de Beethoven después de sufrir una crisis mental y creativa.

La sonata está escrita en clave de do sostenido menor y consta de 3 movimientos.

Primera parte inusual. En lugar de la sonata allegro generalmente aceptada, aquí suena el Adagio. El propio compositor lo define como una fantasía. Y efectivamente, la primera parte se presenta en un estilo preludio-improvisador, propio de la fantasía. La primera parte comienza con una breve introducción, en la que, con el telón de fondo de un bajo sostenido, se descomponen acordes de tres notas en un sonido rítmico de triplete. Entonces aparece la melodía principal, de carácter severamente centrado. Se caracteriza por la repetición de sonidos, ritmo punteado y dinámica tranquila. El formulario se acerca a tres partes. En la sección central, el tema adquiere un carácter más intenso y dramático, se introducen consonancias reducidas y transiciones a otras tonalidades. La repetición se comprime y se basa en el desvanecimiento gradual del tema.

Segunda parte - Allegretto, re bemol mayor. Se considera un retrato de Giulietta Guicciardi. La segunda parte es lúdica, elegante y con elementos de danza. R. Rolland la llamó “una flor entre dos abismos”, porque contrasta marcadamente con las partes extremas. La forma de la segunda parte es un complejo de tres partes con un trío. El tema principal se presenta en una estructura de acordes, en un ritmo de 3 tiempos.

la tercera parte– Presto agitato, do sostenido menor. Este es el centro de gravedad de toda la sonata. El tercer movimiento fue escrito en forma de sonata desarrollada. La parte final se distingue por una energía, tensión y dramatismo incontrolables. R. Rolland lo define como un chorro de granizo, “que azota y sacude el alma”. Su caracterización del grupo principal es igualmente figurativa, a la que compara con olas que ruedan y chocan contra las losas de granito. En efecto, la parte principal se construye sobre un movimiento ascendente a lo largo de los sonidos de una tríada descompuesta acompañada de una quinta tónica, que finaliza con golpes de acordes. La segunda frase de la parte principal se convierte en una parte de conexión, que directamente se convierte en secundaria. La parte lateral tiene una línea melódica pronunciada y es de carácter rebelde e impetuoso. La parte lateral no fue escrita en la tradicional paralela mayor, sino en la clave de la dominante menor, es decir. Sol sostenido menor. La parte final está bastante desarrollada, presentada en acordes. El desarrollo representa un desarrollo intensivo de los temas de los partidos principales y secundarios. En la repetición, todos los temas suenan en la tonalidad principal. El final se distingue por una coda desarrollada, que es, por así decirlo, un segundo desarrollo. Esta técnica es característica de las sinfonías de Beethoven e indica la penetración del principio sinfónico en el género de la sonata.

SONATA No. 23 “APACE».

La Sonata Appassionata está dedicada al ferviente admirador de Beethoven, el Conde Franz Brunswik. Beethoven comenzó a componerla en 1804 y probablemente la terminó en 1806. Fue publicado en 1807.

El título "appasionata" no pertenece al propio compositor, sino a la editorial de Hamburgo Kranz. Sin embargo, este nombre expresa bien la esencia de la obra y, por tanto, está firmemente apegado a ella. Beethoven comenzó a crear la sonata durante un año difícil para él. Experimentó los mismos sentimientos que cuando creó la Sonata “Moonlight”. La sordera progresiva e insoportable del músico, las dolorosas adversidades del amor y la amistad, la constante soledad espiritual: todo esto creó las condiciones previas para una obra lúgubre y trágica. Pero el poderoso espíritu de Beethoven le ayudó a superar estas pruebas. Por lo tanto, la sonata no sólo es dramática, sino que está llena de enorme voluntad y energía.

La sonata está escrita en clave de fa menor y consta de 3 movimientos. Primera parte - Allegro assai, forma sonata. Aquí, por primera vez, el compositor abandonó la exposición repetida, por lo que todo el primer movimiento suena de una vez. partido principal consta de 3 elementos contrastantes. El primer elemento representa un movimiento al unísono a lo largo de los sonidos de la tríada tónica, primero en un movimiento descendente y luego en un movimiento ascendente. Las manos derecha e izquierda realizan el elemento inicial a una distancia de dos octavas. El segundo elemento tiene forma de trino. El tercero es un motivo de cuatro notas, que recuerda el tema del destino de la Quinta sinfonía. El grupo principal no sólo presenta el material, sino que también lo desarrolla inmediatamente. Lote lateral presentado en clave de La bemol mayor, está conectado entonacionalmente con el primer elemento de la parte principal, pero contiene una imagen independiente: majestuosa, estricta y valiente. Este es el principio del contraste derivativo. Desarrollo desarrolla temas en la misma secuencia que en la exposición, pero se distingue por la inestabilidad tonal y una textura diferente, por lo que se percibe de forma más dramática. Antes de la repetición, se escuchan poderosos golpes del “motivo del destino”. El mismo motivo impregna vuelta- El partido principal se basa en ello. La parte lateral de la repetición está en fa mayor. El resultado del desarrollo de la primera parte es código. La primera parte se distingue por su gran escala e intensidad de desarrollo, lo que distingue a la “Appassionata” de otras sonatas del compositor.

Segunda parte – Andante con moto, re bemol mayor. Su carácter contrasta con la primera parte, suena tranquilo, contemplativo, a lo Beethoven, líricamente estricto. La forma es variable. El tema se presenta en el registro inferior en una textura coral y acorde. Las variaciones se basan en una aceleración rítmica gradual, es decir. con cada variación de duración se acortan: corcheas, semicorcheas, treinta segundas. Al final de la segunda parte suena secreta y cautelosamente un acorde de séptima disminuida, y luego comienza la tercera parte sin interrupción.

la tercera parte– Allegro ma non troppo, fa menor. El final tiene mucho en común con la primera parte, tanto en términos de carácter como de métodos de desarrollo. Los contemporáneos de Beethoven vieron en esta sonata un parecido con "La Tempestad" de Shakespeare y por eso la llamaron "shakesperiana". La tercera parte proporcionó las mayores razones para ello. El final es incluso más brillante que la primera parte y parece un torbellino único. La forma es sonata, pero todas las secciones parecen estar fusionadas. En la coda final, el tempo se acelera y aparece la tonalidad de La bemol mayor, lo que da motivos para considerarla la finalización no solo del movimiento final, sino de toda la sonata. Este es el resultado de un drama humano, lleno de contradicciones internas y que termina con la muerte del héroe. Pero, a pesar del trágico final, no hay pesimismo en la sonata, porque el héroe al final de su viaje encontró el sentido de la vida, por lo que “Appassionata” se considera una “tragedia optimista”.

SINFONÍA N° 5.

creatividad sinfónica. El sinfonismo de Beethoven creció en el suelo preparado por Haydn y Mozart, en cuya obra finalmente se formaron los principios de la estructura y desarrollo del ciclo sonata-sinfónico y la forma sonata. Pero las sinfonías de Beethoven representan una etapa nueva y superior del sinfonismo. Esto se evidencia en la escala de las sinfonías, que superan significativamente la escala de las sinfonías de sus predecesores, y en el contenido interno, generalmente heroico y dramático, y en la sonoridad orquestal debido al aumento en la composición de la orquesta y , sobre todo, el grupo de metales. El desarrollo del sinfonismo de Beethoven estuvo influenciado por la música de la Revolución Francesa con sus imágenes heroicas, ritmos de marchas y campañas, entonaciones de fanfarria y un poderoso sonido orquestal. Además, el contraste interno de las sinfonías está asociado con los principios de la dramaturgia operística.

Beethoven creó nueve sinfonías. En comparación con Haydn y Mozart, esto no es mucho, pero hay razones para ello. En primer lugar, Beethoven comenzó a escribir sinfonías recién a la edad de treinta años; antes de eso, no se atrevió a recurrir a este género, reconociendo toda la responsabilidad de escribir sinfonías. En segundo lugar, por la misma razón, escribió sinfonías durante bastante tiempo: la tercera sinfonía tardó un año y medio, la quinta sinfonía tardó cuatro años y la novena sinfonía tardó diez años. Todas las sinfonías representan la evolución constante de este género en la obra del compositor. Si la primera sinfonía solo describió las características del sinfonismo de Beethoven, entonces la novena sinfonía es la culminación del desarrollo de este género. Al final de esta sinfonía, Beethoven incluyó un texto poético: la "Oda a la alegría" de Schiller, anticipando así la era romántica con su síntesis de las artes.

Sinfonía nº 5- uno de los picos del sinfonismo de Beethoven. Su idea principal es la de una lucha heroica, llena de tensión dramática y ansiedad, pero que termina en una victoria convincente. Por tanto, la dramaturgia de la sinfonía se construye “de la oscuridad a la luz a través de la lucha y el sufrimiento”.

La quinta sinfonía está escrita en clave de do menor y consta de 4 movimientos. Los cuatro compases juegan un papel muy importante en la sinfonía. introducción , en el que suena el “motivo del destino”. En palabras del propio compositor, “así llama el destino a la puerta”. Esta introducción juega el mismo papel en la sinfonía que el leitmotiv en la ópera. El motivo del destino impregna todas las partes de esta obra.

Primera parte– Allegro con brío, do menor. La forma es sonata. partido principal– dramático, rebelde, desarrolla el tema de la introducción. Parte de enlace Representa una nueva etapa en el desarrollo del partido principal, finalizando con movimientos de fanfarria que anticipan el partido secundario. Lote lateral(Mi bemol mayor): más lírico, suave, que contrasta con la parte principal. Poco a poco se va dramatizando. Juego final Se basa en el material de la parte principal, pero suena más valiente y heroico. Desarrollo– desarrollo continuo de las entonaciones de la parte principal. En la cima del desarrollo comienza el clímax. vuelta. Lo nuevo de la repetición en comparación con la exposición es, por un lado, el solo de oboe dentro de la parte principal y, por otro, la realización de una parte lateral en do mayor y una nueva orquestación. Código afirma el tema del partido principal, aún no da una conclusión, la ventaja está del lado de las fuerzas malignas y hostiles.

Segunda parte– Andante con moto, La bemol mayor. La forma son variaciones dobles, como en el segundo movimiento de la Sinfonía en mi bemol mayor de Haydn (Sinfonía n.° 103, con trémolo de timbales). El primer tema es suave, parecido a una canción, ondulante. El segundo tema en la primera representación tiene un carácter cercano al primero, en la segunda adquiere un carácter fanfarroso, heroico debido a la fuerte sonoridad (ff), el sonido de una banda de música. Luego los temas se varían uno por uno.

la tercera parte– Allegro, do menor. Este es un scherzo escrito en una forma compleja de 3 partes con un trío. El carácter de la música en los movimientos extremos no se corresponde con la definición de scherzo como broma. Este scherzo suena dramático. La primera parte compara dos temas. El primer tema consta de dos elementos: el primer elemento representa un movimiento ascendente al unísono a lo largo de los sonidos de la tríada tónica, el segundo elemento es un movimiento de acordes más suave. El segundo tema es martilleante, obsesivo y se basa en el “motivo del destino”. Trío - Do mayor - más consistente con el carácter tradicional del scherzo. El tema es pesado, áspero, bailable con un toque de sano humor folklórico. Se presenta al unísono de violonchelos y contrabajos. La repetición es dinámica, se suaviza bajo la influencia del trío, su orquestación es más transparente.

Cuarta parte, final – Allegro, do mayor. El carácter del final es alegre y festivo. La forma es sonata, donde la parte principal y la secundaria no entran en conflicto, sino que se complementan. La coda del final es la conclusión de toda la sinfonía. Las fuerzas del mal finalmente son derrotadas y la humanidad liberada se regocija por la victoria tan esperada.

Mozart escribió óperas a lo largo de su vida, a partir de los 11 años. Pero sus mayores logros en este ámbito se remontan al período vienés (“Las bodas de Fígaro”, “Don Giovanni”, “La flauta mágica”). Mozart escribió óperas de distintos tipos y géneros:

Singspiel (El rapto del serrallo, La flauta mágica)

opera-buffa (“Las bodas de Fígaro”, “Eso es lo que hacen todas las mujeres”)

operas-seria (“Idomeneo, rey de Creta”, “La misericordia de Tito”).

Ópera "Don Juan", que combina los rasgos de la tragedia musical y la comedia, no se puede reducir a ninguno de estos tipos. Mozart lo llamó un "drama gay". Esta ópera fue creada por orden de la Ópera de Praga. El mayor logro de la ópera es la tendencia al desarrollo de un extremo a otro con la división tradicional en números completos.

Ópera "Las bodas de Fígaro" escrito sobre la base de la segunda parte de la trilogía de Beaumarchais "El día loco o Las bodas de Fígaro", a pesar de que fue prohibida por la censura (la comedia expone el orden aristocrático feudal de Francia en vísperas de la revolución burguesa de 1789) .

en la opera "Flauta mágica" Se reflejaron algunos aspectos de la masonería, la enseñanza religiosa y ética a la que pertenecía Mozart y que en los últimos años escribió varias cantatas masónicas. La ópera es un cuento de hadas filosófico, cuyo significado es la victoria de la luz sobre la oscuridad, la razón y el bien sobre el mal. El reino ideal de justicia, hermandad y amistad se glorifica aquí en forma de cuento de hadas. En La flauta mágica, Mozart recurre al género Singspiel con diálogos hablados y textos en alemán. Beethoven consideró esta ópera como quizás la mejor ópera de Mozart. Goethe quedó tan cautivado por La flauta mágica que concibió una secuela e incluso comenzó a escribir el libreto.

Junto con Gluck, Mozart fue el mayor reformador de la ópera del siglo XVIII. Pero, a diferencia de él, no declaró teóricamente su reforma. Si Gluck buscó subordinar la música a la acción dramática, para Mozart, por el contrario, la música era la base de la ópera. Mozart escribió: “En la ópera, la poesía debe ser hija obediente de la música”. Mozart creía que el texto del libreto debía ser conciso y no alargar la acción.

Uno de los mayores logros innovadores de la dramaturgia operística de Mozart es dominio de las características musicales actores. Antes de Mozart, las características musicales de los héroes eran casi completamente ignoradas. Se trataba de una especie de “máscaras” musicales con técnicas de expresividad desarrolladas. Sin recurrir a leitmotivs, Mozart dotó a los héroes de sus óperas de giros melódicos que formaban una imagen coherente. Así, en la imagen de Don Juan se enfatiza su amor por los placeres de la vida, su valentía y su valentía; en la imagen de Suzanne: atractivo femenino, astucia. Las características musicales de los personajes se concentran en las arias. Mozart también asigna un papel importante a los conjuntos, que suelen ser ricos en un intenso desarrollo dramático.

4. Obras sinfónicas de Mozart. Sinfonías. Conciertos.

Los géneros de música sinfónica creados por Mozart incluyen sinfonías, serenatas, divertimentos, casaciones (un género cercano a la serenata), conciertos para varios instrumentos con orquesta.

A lo largo de su vida, Mozart trabajó simultáneamente en óperas y obras instrumentales, lo que dio lugar a su Influencia mutua: La música de ópera se enriquece con técnicas de desarrollo sinfónico, la música instrumental está imbuida de melodia. Muchas imágenes musicales de las obras sinfónicas y de cámara de Mozart están cercanas a las arias y conjuntos de sus óperas (partes G.P.I de la sinfonía nº 40 y el aria de Cherubino “No puedo decirlo, no puedo explicarlo”; “Aria con un retrato” de Tamino de “La Flauta Mágica” y el tema de la II parte de la sinfonía No. 40).

Imágenes de las sinfonías de Mozart:

lírico

bailar

dramático

filosófico.

El dramatismo a menudo se lograba mediante la presencia de elementos contrastantes dentro de un tema, un rasgo característico del estilo de Mozart, que se desarrolló en la obra de Beethoven (G. P. I partes de la sinfonía n.° 41 “Júpiter”, que consta de 2 elementos contrastantes: valiente- heroico y lírico). La presencia de dos elementos contrastantes en un tema es un estímulo para el posterior desarrollo, comparación y colisión de varias imágenes musicales.

Mozart escribió sus primeras sinfonías a la edad de 8 años, bajo la impresión de las sinfonías de I.K. Llevar una vida de soltero. Las primeras sinfonías de Mozart se acercan a una suite, una serenata, un divertimento y no tienen una unidad orgánica del ciclo.

Las tres sinfonías más famosas de Mozart fueron creadas en 1788:

No. 39 Es-dur – heroico-dramático, ligero, basado en temas de danza;

No. 40 g-moll – líricamente expresivo, reverentemente emocionado. A veces se le llama "wertheriano", porque. ésta, al igual que "Las penas del joven Werther" de Goethe, nació en la atmósfera del período de "Tormenta y Drang" con su intensa emotividad y efusión de sentimientos, anticipando así el sinfonismo romántico.

No. 41 C-dur (“Júpiter”) – majestuoso, monumental (el nombre no fue dado por Mozart). Su peculiaridad es que todo desarrollo conduce a un final monumental, que corona la sinfonía, como una majestuosa cúpula que corona una grandiosa catedral (el final es una combinación de sonata allegro y triple fuga).

Uno de los lugares significativos en la obra de Mozart lo ocupa Conciertos para diversos instrumentos acompañados de orquesta. El concierto de tipo clásico contiene dos exposiciones:

I - exposición de orquesta, donde se presenta el material temático principal.

II – exposición del instrumento solista.

La parte solista se distinguió por su virtuosismo. La cadencia virtuosa libre (después de K 6 4 antes de la coda de la primera parte) fue diseñada para la improvisación del solista. Recién en el siglo XIX el propio compositor comenzó a componer cadencias: la segunda parte del concierto es lenta, la tercera parte es el final del género.

Entre los numerosos conciertos de Mozart destacan los de piano: re-moll, do-moll, do-dur, es-dur; violín - D-dur, A-dur. Se trata de obras maestras de la música de concierto y sinfónica. Los conciertos de Mozart no son menos sinfónicos que sus sinfonías.

La orquesta de Mozart tiene la misma composición que la orquesta de Haydn (emparejada). Sin embargo, Mozart aprovechó más las propiedades expresivas de los instrumentos, su melodía (especialmente las cuerdas).