Nors Mocartas parašė daugiau nei 50 simfonijų, kai kurios iš jų (ankstyvosios) buvo prarastos. Pirmąją simfoniją didysis kompozitorius parašė būdamas aštuonerių ir visus šio žanro kūrinius sukūrė per 25 metus. Sunku nustatyti, kurias simfonijas parašė Mocartas, nors yra sunumeruotas 41 kūrinio sąrašas. Tačiau trys iš jų pripažinti kitų kompozitorių kūriniais, ketvirtojo autorystė abejotina. Be oficialaus sąrašo yra apie 20 tikrų Mocarto simfonijų ir daug simfoninių kūrinių, kurių autorystė yra abejotina.
Pirmosios Mocarto simfonijos buvo pagrindinio muzikinio kūrinio įžanga arba pabaiga. Vėlyvieji šio muzikinio žanro kūriniai tapo pagrindiniu koncertinio vakaro įvykiu.
Simfonijos žanrą išrado italų kompozitoriai. XVIII amžiuje jį perėmė muzikos meistrai Vokietijoje ir Austrijoje. Apie 1760 m. vokiečių žemių kompozitoriai prie kompozicijos pradėjo pridėti menuetą, pastatydami jį tarp lėtos dalies ir finalo. Jų rankose gimė keturių dalių simfonijos žanras. Didėjantis muzikos kūrinių turinio sudėtingumas privertė kompozitorius gilinti kiekvienos iš keturių simfonijos dalių turinį. Taip XVIII amžiuje gimė Vienos simfonijos žanras.
1764 m. aštuonerių metų Mocartas parašė savo pirmąją simfoniją. Europoje jis jau buvo žinomas kaip vaikų stebuklų atlikėjas. Austrų kompozitoriaus pirmosios simfonijos originalioji notacija dabar saugoma Jogailos universiteto (Krokuva) bibliotekoje.
Wolfgangas ir jo tėvas Leopoldas keliavo po Europą. Anglijoje Mocartas vyresnysis susirgo, o tėvas ir sūnus liko Londone. Ten jaunasis muzikantas parašė savo pirmąją simfoniją, o atminimo lenta ant vieno namo Ebury gatvėje primena apie šį įvykį. Pirmą kartą simfonija Nr. 1 buvo atlikta 1765 m. vasarį. Jaunojo Mocarto muzikinę kompoziciją paveikė jo tėvo ir Londone gyvenančio kompozitoriaus Johanno Christiano Bacho, su kuriuo Mocartai buvo pažįstami, stilius.
Mocartas parašė pirmuosius simfoninius kūrinius pagal italų tradiciją. Bet jis vadovavosi italų tradicijos įtakoje rašiusio vokiečio Johano Christiano Bacho simfonijomis. Mocartas rašė veikiamas Bacho, paauglystėje gyvendamas ir studijuodamas Londone. Bachas savo simfonijų pradžioje kaitaliodavo forte ir fortepijoną, o Mocartas šią techniką naudojo daugumoje savo simfonijų.
1767 metais jaunasis Mocartas lankėsi Vienoje. Pažintis su Vienos muzikine tradicija praturtino jo muzikinius kūrinius: simfonijose atsirado menuetas, styginių grupė pasipildė dviem altais. 1768 m. jaunasis kompozitorius, naudodamasis savo patirtimi, parašė keturias simfonijas.
1770–1773 metais Volfgangas Amadėjus Mocartas sunkiai dirbo ir keliavo. Per tą laiką jis parašė 27 simfonijas. Vėlesniais metais jis neparašė šio žanro esė. Galiausiai, 1778 m., būdamas Paryžiuje, kompozitorius gavo užsakymą „Dvasiniuose koncertuose“ Corpus Christi dienos koncertų sezono atidarymui parašyti simfoniją. Naujame kūrinyje buvo panaudota daugybė instrumentų, Mocartas netgi parašė rankraštyje: „Simfonija dešimčiai instrumentų“.
Mocartas parašė šį kūrinį su numeriu KV297, daugiausia dėmesio skirdamas prancūzų simfonijų pavyzdžiams. Grįžęs į Zalcburgą, kompozitorius sukūrė dar du šio žanro kūrinius, artimus „Vienos stiliui“. 1781–1788 metais Wolfgangas gyveno Vienoje ir per septynerius metus Austrijos sostinėje sukūrė penkis simfoninius kūrinius.
1788 m. rugpjūčio mėn. Mocartas baigė Jupiterio simfonijos kūrybą, kuri yra 41-oji ir paskutinė oficialiame jo simfoninių kūrinių sąraše. Pavadinimą, kaip rašė kompozitoriaus sūnus Franzas Mocartas, simfonija gavo iš impresario Johano Salomono.
Priežastis susijusi su muzika ir mokslu. Kūrinio finalas primena Karlo Ditterso simfoniją „Fetono kritimas“. Salomonas žinojo, kad graikai Jupiterį vadina Faetonu, todėl su šiek tiek ironija suteikė Mocarto simfonijai didingą pavadinimą. Paskutinė Mocarto simfonija sulaukė kritikų pripažinimo ir netrukus buvo pripažinta šedevru.
Yra 39 simfonijų, kurios iš pradžių buvo priskirtos austrų kompozitoriui, sąrašas. Vėliau jos autorystė buvo atmesta arba suabejota.
Yra keletas priežasčių, kodėl kai kurie muzikos kūriniai buvo klaidingai priskirti Mocartui:
- Jaunasis austras perrašė kitų kompozitorių partitūras, kad galėtų jas studijuoti. Kai buvo aptikti simfonijų įrašai Mocarto rankoje, jie buvo klaidingai priskirti jam. Taigi Volfgangui buvo priskirti keli jo tėvo Leopoldo Mocarto kūriniai.
- Tapęs pripažintu kompozitoriumi, Mocartas į savo koncertų partitūras įtraukė jaunųjų muzikantų simfonijas. Nors jis visuomenei pristatė tikrąjį autorių, kartais išlikdavo painiava.
- XVIII amžiuje buvo paskelbta nedaug muzikinių užrašų, o ranka parašytos versijos buvo plačiai paplitusios, o tai sukėlė painiavą.
- Kai kurios Mocarto simfonijos buvo prarastos. Todėl muzikos kūrinių rankraščių radiniai vietose, susijusiose su austrų maestro, jam buvo skubotai priskirti, kol nebuvo rasta paneigimų.
Klausimo, kiek simfonijų parašė Mocartas, sudėtingumas rodo, kad net savo karjeros pradžioje genijus nėra laisvas nuo imitacijų. Sumaištį dėl kompozitoriui priskiriamų simfonijų iš dalies lemia jo pameistrystės patirtis naudojant kitų meistrų kūrinius.
Išskirtinis austrų kompozitorius W. A. Mocartas yra vienas iš mokyklos atstovų. Jo dovana pasireiškė nuo ankstyvos vaikystės. Mocarto kūriniai atspindi Sturm und Drang judėjimo ir Vokietijos Apšvietos idėjas. Įvairių tradicijų ir tautinių mokyklų meninė patirtis perkeliama į muziką. Garsiausios, kurių sąrašas didžiulis, užėmė vietą muzikos meno istorijoje. Parašė daugiau nei dvidešimt operų, keturiasdešimt vieną simfoniją, koncertus įvairiems instrumentams ir orkestrui, kamerinius instrumentinius ir fortepijoninius kūrinius.
Trumpa informacija apie kompozitorių
Wolfgangas Amadeusas Mocartas (Austrijos kompozitorius) gimė 1756 m. sausio 27 d. nuostabiame Zalcburgo mieste. Be komponavimo? jis buvo puikus klavesinininkas, kapelmeisteris, vargonininkas ir virtuoziškas smuikininkas. Jis turėjo nepaprastai nuostabią atmintį ir aistrą improvizacijai. Wolfgangas Amadeusas Mocartas yra vienas geriausių ne tik savo, bet ir mūsų laikų. Jo genialumas atsispindėjo įvairiomis formomis ir žanrais parašytuose kūriniuose. Mocarto kūriniai populiarūs ir šiandien. Ir tai rodo, kad kompozitorius išlaikė „laiko išbandymą“. Jo vardas dažniausiai minimas tuo pačiu kvapu kaip Haydnas ir Bethovenas kaip Vienos klasicizmo atstovas.
Biografija ir kūrybinis kelias. 1756-1780 gyvenimo metai
Mocartas gimė 1756 m. sausio 27 d. Pradėjau kurti anksti, maždaug nuo trejų metų. Tėvas buvo mano pirmasis muzikos mokytojas. 1762 m. su tėvu ir seserimi jis išvyko į didelę meninę kelionę po įvairius Vokietijos, Anglijos, Prancūzijos, Šveicarijos ir Nyderlandų miestus. Tuo metu buvo sukurti pirmieji Mocarto kūriniai. Jų sąrašas pamažu plečiasi. Nuo 1763 m. gyveno Paryžiuje. Kuria sonatas smuikui ir klavesinui. 1766–1769 m. gyveno Zalcburge ir Vienoje. Jam patinka pasinerti į didžiųjų meistrų kompozicijų studijas. Tarp jų yra Handel, Durante, Carissimi, Stradella ir daugelis kitų. 1770-1774 metais. yra daugiausia Italijoje. Jis susipažįsta su tuomet žinomu kompozitoriumi Josefu Myslivečeku, kurio įtaką galima atsekti tolesnėje Wolfgango Amadeus kūryboje. 1775–1780 m. keliavo į Miuncheną, Paryžių ir Manheimą. Patirti finansinių sunkumų. Praranda mamą. Daugelis Mocarto kūrinių buvo parašyti šiuo laikotarpiu. Jų sąrašas didžiulis. Tai:
- koncertas fleitai ir arfai;
- šešios klaviatūros sonatos;
- keli dvasiniai chorai;
- 31 simfonija D-dur klavišu, kuri žinoma kaip Paryžiaus simfonija;
- dvylika baleto numerių ir daug kitų kompozicijų.
Biografija ir kūrybinis kelias. 1779-1791 gyvenimo metai
1779 m. dirbo Zalcburge rūmų vargonininku. 1781 metais Miunchene įvyko jo operos „Idomenėjas“ premjera su didžiuliu pasisekimu. Tai buvo naujas kūrybingos asmenybės likimo posūkis. Tada jis gyvena Vienoje. 1783 m. jis vedė Constance Weber. Šiuo laikotarpiu Mocarto operiniai kūriniai pasirodė prastai. Jų sąrašas nėra toks ilgas. Tai operos „L'oca del Cairo“ ir „Lo sposo deluso“, kurios liko nebaigtos. 1786 m. pagal Lorenzo da Ponte libretą buvo parašyta puiki jo „Figaro vedybos“. Jis buvo pastatytas Vienoje ir sulaukė didelio pasisekimo. Daugelis laikė tai geriausia Mocarto opera. 1787 metais buvo išleista ne mažiau sėkminga opera, kuri taip pat buvo sukurta bendradarbiaujant su Lorenzo da Ponte. Tada jis gavo „imperatoriškojo ir karališkojo kamerinio muzikanto“ pareigas. Už tai jam sumokama 800 florų. Jis rašo šokius maskaradams ir komiškai operai. 1791 m. gegužę Mocartas buvo pasamdytas Katedros dirigento padėjėju, kuris nebuvo mokamas, bet suteikė galimybę po Leopoldo Hofmanno (sunkiai sirgusio) mirties užimti jo vietą. Tačiau taip neatsitiko. 1791 m. gruodį genialus kompozitorius mirė. Yra dvi jo mirties priežasties versijos. Pirmoji – komplikacija po ligos su reumatine karštine. Antroji versija panaši į legendą, tačiau ją palaiko daugelis muzikologų. Tai kompozitoriaus Salieri atliktas Mocarto apnuodijimas.
Pagrindiniai Mocarto kūriniai. Esė sąrašas
Opera yra vienas pagrindinių jo kūrybos žanrų. Jame yra mokyklos opera, singspiel, opera seria ir buffa, taip pat didžioji opera. Iš kompo rašiklio:
- mokyklos opera: „Hiacinto metamorfozė“, dar žinoma kaip „Apollo ir hiacintas“;
- operų serialai: „Idomenėjas“ („Elijas ir Idamantas“), „Tito gailestingumas“, „Mitridatas, Ponto karalius“;
- buffa operos: „Įsivaizduojamas sodininkas“, „Apgautas jaunikis“, „Figaro vedybos“, „Jie visi tokie“, „Kairo žąsis“, „Don Džovanis“, „Apsimetinys paprastasis“;
- Singspiel: "Bastien and Bastienne", "Zaida", "The Abduction from the Seraglio";
- didžioji opera: „opera Stebuklinga fleita“;
- pantomimos baletas „Smulkmenos“;
- mišios: 1768-1780, sukurta Zalcburge, Miunchene ir Vienoje;
- „Requiem“ (1791);
- oratorija „Išlaisvinta Vetulija“;
- kantatos: „Atgailaujantis Dovydas“, „Masonų džiaugsmas“, „Tau, visatos siela“, „Masonų kantata“.
Volfgangas Amadėjus Mocartas. Dirba orkestrui
W. A. Mocarto kūriniai orkestrui įspūdingi savo mastu. Tai:
- simfonijos;
- Koncertai ir rondo fortepijonui ir orkestrui bei smuikui ir orkestrui;
- koncertai dviem smuikams ir orkestrui C-dur klavišu, smuikui ir altui ir orkestrui, fleitai ir orkestrui obojui ir orkestrui, klarnetui ir orkestrui, fagotui, ragui, fleitai ir arfai (C-dur). );
- koncertai dviem fortepijonams ir orkestrui (E-dur) ir trims (F-dur);
- divertismentai ir serenados simfoniniam orkestrui, styginių ir pučiamųjų ansambliui.
Kūriniai orkestrui ir ansambliui
Mocartas daug kūrė orkestrui ir ansambliui. Įžymūs darbai:
- Galimathias musicum (1766);
- Maurerische Trauermusik (1785);
- „Ein musikalischer Spa“ (1787 m.);
- žygiai (kai kurie iš jų prisijungė prie serenadų);
- šokiai (kontrašokai, landleriai, menuetai);
- bažnytinės sonatos, kvartetai, kvintetai, trio, duetai, variacijos.
Klavieriui (fortepijonui)
Mocarto muzikos kūriniai šiam instrumentui yra labai populiarūs tarp pianistų. Tai:
- sonatos: 1774 - C-dur (K 279), F-dur (K 280), G-dur (K 283); 1775 – D-dur (K 284); 1777 – C-dur (K 309), D-dur (K 311); 1778 – A-moll (K 310), C-dur (K 330), A-dur (K 331), F-dur (K 332), B-dur (K 333); 1784 – c-moll (K 457); 1788 – F-dur (K 533), C-dur (K 545);
- penkiolika variacijų ciklų (1766-1791);
- rondo (1786, 1787);
- fantazijos (1782, 1785);
- skirtingos pjesės.
W. A. Mozarto simfonija Nr. 40
Mocarto simfonijos buvo sukurtos 1764–1788 m. Paskutinės trys tapo aukščiausiu šio žanro pasiekimu. Iš viso Wolfgangas parašė daugiau nei 50 simfonijų. Tačiau pagal Rusijos muzikologijos numeraciją paskutinioji laikoma 41-ąja simfonija („Jupiteris“).
Geriausios Mocarto simfonijos (Nr. 39-41) yra unikalūs kūriniai, kurie nepaiso to meto tipizavimo. Kiekvienas iš jų turi iš esmės naują meninę idėją.
40-oji simfonija yra populiariausias šio žanro kūrinys. Pirma dalis prasideda sujaudinta smuikų melodija klausimų ir atsakymų struktūra. Pagrindinė dalis primena Cherubino ariją iš operos „Figaro vedybos“. Šoninė dalis lyriška ir melancholiška, kontrastuojanti su pagrindine. Vystymas prasideda nuo mažos fagoto melodijos. Atsiranda niūrios ir graudžios intonacijos. Prasideda dramatiškas veiksmas. Reprizas didina įtampą.
Antroje dalyje vyrauja rami ir kontempliatyvi nuotaika. Čia taip pat naudojama sonatos forma. Pagrindinę temą atlieka altai, vėliau perima smuikai. Antroji tema tarsi „plazdėjimas“.
Trečias ramus, švelnus ir melodingas. Vystymasis grąžina mus į susijaudinusią nuotaiką, atsiranda nerimas. Repriza vėl yra šviesus mąstymas. Trečia dalis – menuetas su maršo bruožais, bet per tris ketvirčius. Pagrindinė tema – drąsa ir ryžtinga. Jis atliekamas su smuiku ir fleita. Trijuje iškyla skaidrūs pastoraciniai garsai.
Greitas finalas tęsia dramatišką raidą, pasiekdamas aukščiausią tašką – kulminaciją. Nerimas ir jaudulys būdingi visoms ketvirtosios dalies skyriams. Ir tik paskutinės juostos daro nedidelį pareiškimą.
W. A. Mocartas buvo puikus klavesinininkas, kapelmeisteris, vargonininkas ir virtuoziškas smuikininkas. Jis turėjo absoliučią klausą muzikai, puikią atmintį ir norą improvizuoti. Puikūs jo darbai užėmė vietą muzikos meno istorijoje.
Mocarto kuriami simfoninės muzikos žanrai – simfonijos, serenados, divertismentai, kasacijos (serenadai artimas žanras), koncertai įvairiems instrumentams su orkestru.
Visą gyvenimą Mocartas vienu metu dirbo prie operų ir instrumentinių kūrinių, o tai lėmė abipusę jų įtaką: operinė muzika praturtinta simfoninio tobulėjimo technikomis, instrumentinė muzika persmelkta melodingumo. Daugelis Mocarto simfoninių ir kamerinių kūrinių muzikinių vaizdų yra artimi jo operų arijoms ir ansambliams (40 simfonijos GP. I dalis ir Cherubino arija „Negaliu pasakyti, negaliu paaiškinti“; Tamino „arija su portretas“ iš „Stebuklingos fleitos“ ir II simfonijos Nr. 40 temos dalis).
Mocarto simfonijų vaizdai:
lyriškas
šokis
dramatiškas
filosofinis.
Dramatizmas dažnai buvo pasiektas naudojant kontrastingus elementus vienoje temoje - būdingą Mocarto stiliaus bruožą, kuris buvo išplėtotas Bethoveno kūryboje (simfonijos Nr. 41 „Jupiteris“ pirmosios dalies GP, susidedančios iš 2 kontrastingų elementų): drąsus-herojiškas ir lyriškas). Dviejų kontrastingų elementų buvimas vienoje temoje yra stimulas tolesniam įvairių muzikinių vaizdų vystymui, palyginimui ir susidūrimui.
Pirmąsias simfonijas Mocartas parašė būdamas 8 metų, jausdamas I. K. simfonijų įspūdį. Bachas. Ankstyvosios Mocarto simfonijos artimos siuitai, serenadai, divertimentui ir neturi organiškos ciklo vienybės.
Trys garsiausios Mocarto simfonijos buvo sukurtos 1788 m.
Nr.39 Es-dur - herojiškas-dramatiškas, lengvas, paremtas šokio temomis;
Nr.40 g-moll - lyriškai išraiškingas, pagarbiai susijaudinęs. Jis kartais vadinamas „verterišku“, nes. ji, kaip ir Goethe's „Jaunojo Verterio sielvartai“, gimė „Audros ir tvankos“ laikotarpio atmosferoje su padidintu emocionalumu ir jausmų išliejimu, taip numatant romantišką simfonizmą.
Nr. 41 C-dur („Jupiteris“) – didingas, monumentalus (pavadinimo Mocartas nepateikė). Jo ypatumas tas, kad visas vystymasis veda į monumentalų finalą, vainikuojantį simfoniją, kaip į didingą kupolą, vainikuojantį grandiozinę katedrą (finalas – sonatos allegro ir trigubos fugos derinys).
Vieną reikšmingų vietų Mocarto kūryboje užima koncertai įvairiems instrumentams akomponuojant orkestrui. Klasikinio tipo koncertą sudaro dvi ekspozicijos:
I - orkestro ekspozicija, kurioje pateikiama pagrindinė teminė medžiaga
II - solo instrumento ekspozicija.
Solo partija išsiskyrė savo virtuoziškumu. Laisvoji virtuozinė kadenza (po K64 iki pirmosios dalies kodo) buvo sukurta solistės improvizacijai. Tik XIX amžiuje kadenzas pradėjo kurti pats kompozitorius. II koncerto dalis lėta, III dalis – žanro finalas.
Tarp gausių Mocarto koncertų išsiskiria fortepijoniniai – d-moll, c-moll, C-dur, Es-dur; smuikas - D-dur, A-dur. Tai koncertinės ir simfoninės muzikos šedevrai. Mocarto koncertai ne mažiau simfoniški nei jo simfonijos.
Mocarto orkestras yra tokia pati kompozicija kaip ir Haidno orkestras (porinis). Tačiau Mocartas labiau pasinaudojo išraiškingomis instrumentų savybėmis, jų melodingumu (ypač styginiais).
Mocartas kartu su Haydnu sukūrė klasikinį sonatos-simfoninį ciklą, susijusį su tokiais žanrais kaip simfonija, sonata, koncertas, kvartetas, kvintetas ir kt. Kartu jo sonatos-simfoninis ciklas yra naujas šios struktūros raidos etapas. , kas ryškiausiai pasireiškia simfoninėje kūryboje.
Daugumą simfonijų Mocartas parašė dar prieš Vienos laikotarpį. Pirmosiose simfonijose yra ryšys su ankstyvosiomis Haydno ir Manheimo mokyklos kompozitorių simfonijomis. Tačiau šiose simfonijose jau išryškėja Mocarto stiliaus individualumas. Tarp įdomiausių šio žanro kūrinių – paskutinės septynios Vienoje sukurtos simfonijos. Apskritai, Mocarto simfonijos atstovauja vėlesniam simfonizmo tipui, palyginti su Haydnu. Jų tonas intensyvesnis, jaudinantis, dramatiškesnis, tai atsispindi kūrinių formoje. Mocartas sustiprina kontrastą tarp temų, ypač tarp pagrindinės ir antrinės dalių. Šalutiniai žaidimai, kaip taisyklė, yra pagrįsti nauja temine medžiaga. Tačiau temos, nepaisant kontrasto, viena kitą papildo. Kompozitorius dažnai įveda intrateminį kontrastą, t.y. kontrastas tarp skirtingų tos pačios temos elementų.
Mocarto simfonijose gausu teminių temų, viena dalis gali turėti kelias temas. Pokyčiai trumpi ir glausti. Kūrimo technikos labai įvairios: fragmentacijos, variacijos, polifoninės technikos ir kt. Reprizose, palyginti su ekspozicija, daug naujovių.
Mocarto simfonijose yra ryšys su operine kūryba: 1) kai kurios temos artimos bufonijai; 2) daugelis temų statomos operinio dialogo principu.
Orkestras, kaip ir Haydno, yra dvigubas. Geriausios kompozitoriaus simfonijos sukurtos 1788 m., tai simfonijos Nr. 39 (E-dur), Nr. 40 (G-moll) ir Nr. 41 „Jupiteris“ (C-dur).
SIMFONIJA Nr.40.
Simfonija susideda iš 4 dalių, jos tonacija g-moll.
Įžangos nėra.
Pirma dalis– sonata Allegro, g-moll . Pagrindinis vakarėlis– kartu melodingas ir jaudinantis, turi antrą motyvą, judesį aukštyn 6 m., po kurio seka laipsniškas užpildymas žemyn. Toniškumas yra pagrindinis dalykas. Šoninė partija– elegantiškesnė, kas siejama su chromatinėmis intonacijomis. Raktas yra B-dur. Vystymas paremtas tik pagrindinės dalies tematika, kuri dėl izoliacijos ir polifonijos technikų bei toninio nestabilumo įgauna intensyvesnį ir dramatiškesnį charakterį. Reprizoje esminiai skirtumai nuo ekspozicijos yra, pirma, platesnis jungiamosios dalies vystymas, antra, šoninės dalies laikymas pagrindiniame klaviše, suteikiantis jai melancholiškesnį atspalvį.
Antra dalis– Andante, E-dur. Forma – sonata. Charakteris – ryškus, ramus, pagrindinė ir šoninė dalys mažai kontrastingos. IN pagrindinė vakarėlis– Mocartui būdingi garsų pakartojimai ir didėjantys areštai, šone– besileidžiantys kvorto motyvai.
Trečioji dalis– Menuetas, g-moll. Forma – 3 dalių su trio. Ekstremalios dalys reprezentuoja ne tiek šokį, kiek vidinę psichologinę būseną su dramatiškumu. Pirmosios temos pabaigoje pasigirsta chromatinis nusileidžiantis judesys, kuris buvo ir pirmos dalies šoninėje dalyje. Vidurinė dalis yra labiau tradicinė ir turi šokio charakterį.
Ketvirtoji dalis– finalas, g-moll. Forma – sonata. Pagrindinis vakarėlis susideda iš dviejų kontrastingų elementų: pirmasis atliekamas vien styginiais fortepijonu ir yra sukurtas remiantis toninės triados garsais, antrasis yra atliekamas viso orkestro forte ir apima dainavimą. . Šoninė partija arti pirmos dalies šoninės dalies, ji taip pat elegantiška, dėl chromatinių judesių taip pat parašyta paraleliniu mažoru, o reprizoje - pagrindiniu klavišu, suteikiančiu tą patį melancholišką atspalvį.
MOZARTO KLAVIERIO DARBAS.
Mocarto klavišinę kūrybą reprezentuoja įvairūs žanrai: sonatos, variacijos, fantazijos, rondo ir kt. Šiuose kūriniuose kompozitorius, viena vertus, tęsė Johano Sebastiano Bacho, jo sūnaus Filipo Emmanuelio, taip pat Haydno tradicijas, kita vertus, rodė naujovišką požiūrį į juos.
SONATA DUROJE.
Sonata A-dur susideda iš 3 dalių. Neįprastas jo bruožas yra tai, kad sonatos forma neparašyta nei viena dalis.
Pirma dalis– tema su variacijomis, A-dur. Tema pristatoma Sicilijos žanre. Personažas ryškus, lyriškas, melodingas. Tekstūra skaidri, forma atpažįstama iš 2 dalių. Variacijos yra klasikinės, nes jie išlaiko pagrindinius temos bruožus: režimą, tonalumą, tempą, dydį, formą, harmoninį planą. Tuo pačiu kiekvienoje variacijoje atsiranda naujų elementų: pirmoje variacijoje - sinkopuotas bosas, chromatinės uždelsos, antroje - lydimi tripletai ir grakščios melizmos viršutiniame balse, trečioje - mažoras pakeičiamas minorinėmis, net šešioliktosiomis natomis. atsiranda trukmės, ketvirtoje - susikertančios rankos, penktoje - tempas lėtėja (vietoj Andante Adagio), o trukmės mažesnės (trisdešimt sekundės), paskutiniame šeštajame variante tempas greitėja (Allegro), keičiasi dydis (4/4 vietoj 6/8).
Antra dalis– Menuetas, A-dur, forma – 3 dalių su trio, tęsia pirmos dalies šokio charakterį.
Trečioji dalis– rondo turkišku stiliumi, a-moll. Forma 3 dalių su papildomu refrenu, išdėstyta A-dur ir imituojanti kai kuriuos janisarų žygių bruožus. Vidurinė dalis skamba fis-moll klavišu. Baigiamoji dalis baigiama kodu A-dur.
SONATA C-MINORAS.
Sonata unikali tuo, kad prasideda didele įžanga – Fantazija. Fantazija susideda iš 6 sekcijų, sukurtų kontrastingos kaitos principu. Nestabilios atkarpos kaitaliojasi su stabiliomis, lėtos su greitomis, pagrindinės su nedidelėmis.
1 dalis, c-moll – nestabili, įtempta, dramatiška kontrastingos tematikos; 2 sekcija, D-dur – lengva lyrinė; 3 skyrius – greitas, dramatiškas, su kontrastingais tonacijos ir teminės temos pokyčiais; 4 skyrius, B-dur, panašus į 2-ąjį; 5 sekcija apima ketvirčio penktą seką, greitą, intensyvią; 6 skyriuje kartojama 1 skyriaus medžiaga, kuri suteikia visai daliai vientisumo ir išbaigtumo.
Pirma dalis, sonata Allegro, c-moll . Pagrindinis vakarėlis– dramatiška, kontrastinga, jos kontrastas išplaukia iš pirmosios Fantazijos temos . Susiejanti šalis apima naują tarpinę temą, kuri numato šalutinę temą . Šoninė partija yra naujas, lengvesnis ir lyriškas pagrindinės dalies vaizdas, jo tonacija yra E-dur . Plėtra– trumpas, apima 25 taktus, plėtoja pagrindines ir tarpines temas . Reprise gerokai pakeista, joje tarpinė ekspozicijos tema keičiama nauja, antrinė tema pateikiama pagrindiniu raktu. Pirmoji dalis baigiasi kodas, kuris pastatytas ant pirmojo pagrindinės partijos elemento.
Antra dalis, Adagio, E-dur, forma – 3 dalių. Personažas ramus, pasakojantis, tema nuspalvinta elegantiškais raštais.
Trečioji dalis, Assai allegro, c-moll, forma – rondo sonata. Pagrindinė ir šoninė dalys kontrastingos: neramiam, susijaudinusiam pagrindinės dalies charakteriui priešinasi lengva didžioji šoninė dalis.
W. A. MOZARTAS. REQUIEM.
„Requiem“ yra didžiausias Mocarto kūrinys, kuris kartu su Bacho „Pasija“ yra viena stulbinančių tragedijų XVIII amžiaus muzikos mene.
„Requiem“ vadinamas kompozitoriaus „gulbės giesme“. Tai paskutinė jo kompozicija, kurios jis nespėjo užbaigti. Šio kūrinio darbą užbaigė Mocarto draugas ir mokinys Süssmayer, remdamasis kompozitoriaus eskizais ir eskizais, taip pat pagal tai, ką jam pats Mocartas grojo. „Requiem“ buvo sukurtas kartu su opera „Stebuklinga fleita“. Sunku įsivaizduoti dar du skirtingus kūrinius. „Stebuklinga fleita“ – šviesi, linksma pasaka, „Requiem“ – tragiškos laidotuvių mišios.
Mocartas anksčiau pasuko į kantatų ir oratorijų žanrą. Rašė motetus, kantatas ir mišias. Nepaisant dvasinių tekstų, šie kūriniai yra be galo toli nuo bažnytinės muzikos ir mažai skiriasi nuo pasaulietinių kūrinių. Pavyzdys – solinio moteto „Aleliuja“ finalas – tipiška virtuoziška operinio tipo arija.
Savo kūriniuose apie dvasinius tekstus Mocartas skelbė Apšvietos idėjas ir kvietė į visuotinę brolystę ir meilę.
Tos pačios idėjos atsispindėjo Requiem. Čia kompozitorius atskleidžia turtingiausią žmogaus patirčių pasaulį, įkūnija savo meilę gyvenimui, žmogui.
Pats mišių žanras suponuoja polifonijos buvimą. Mocartas išsamiai studijavo J. S. meną. Bachas, savo kūryboje plačiai naudojo polifonines technikas.
Tai liudija tokie kūriniai kaip fortepijoniniai koncertai d-moll ir c-moll, fantazija c-moll, didysis Jupiterio simfonijos finalas.
„Requiem“ yra Mocarto polifoninio meistriškumo viršūnė. Šiame kūrinyje atsispindi beveik visos polifoninio rašto technikos: imitacija, kontrapunktas, dviguba fuga ir kt.
„Requiem“ susideda iš 12 numerių, iš kurių 9 numeriai parašyti chorui ir orkestrui, 3 – solistų kvartetui. Kūrinyje yra tradiciniai bet kurioms mišioms būdingi numeriai („Viešpatie pasigailėk“, „Šventasis“, „Dievo Avinėlis“), taip pat privalomos dalys, priklausančios tik laidotuvių mišioms („Amžinas poilsis“, „Rūtybės diena“). , „Nuostabusis trimitas“, „Ašaringas“).
1 dalis susideda iš 2 skyrių: 1 skyrius – lėtas – „Requiem aeternam“ („Amžinoji ramybė“), 2 skyrelis – greitasis – dviguba fuga „Kyrie eleison“ („Viešpatie pasigailėk“);
2 dalis– „Dies irae“ – „Ryties diena“. Tai Paskutinio teismo paveikslas;
3 dalis– „Tuba mirum“ – „Nuostabus trimitas“. Prasideda trimito fanfara, vėliau po vieną įeina solistai (bosas, tenoras, altas, sopranas) ir visas kvartetas skamba kartu;
4 dalis– „Rex tremendae“ – „Baisusis Viešpats“;
5 dalis– „Recordare“ – „Prisiminti“;
6 dalis– „Confutatis maledictis“ – „Pasmerktųjų atmetimas“ yra neįtikėtinos drąsos ir naujovių harmonijos srityje pavyzdys;
7 dalis– „Lacrymoza“ – „Ašaringas“, tai lyrinė-dramatinė viso kūrinio kulminacija;
8 dalis– „Domine Yesu“ – „Viešpatie“;
9 dalis– „Hostias“ – „Aukos“;
10 dalis– „Sanctus“ – „Šventasis“;
11 dalis– „Benediktas“ – „Palaimintasis“;
12 dalis– „Agnus Dei“ – „Dievo avinėlis“.
LUDVIKAS VAN BETHOVENAS (1770 – 1827).
Prancūzų revoliucijos muzika. 1789 m. Prancūzijos buržuazinė revoliucija buvo labai svarbaus istorijos raidos etapo pradžia. Ji turėjo didžiulę įtaką įvairiems gyvenimo aspektams, įskaitant muziką. Prancūzų revoliucijos laikais muzika įgavo masinį demokratinį pobūdį. Būtent tuo metu buvo įkurta Paryžiaus konservatorija. Gatvėse ir aikštėse buvo statomi teatro spektakliai, rengiamos masinės šventės.
Nauji laikai pareikalavo atnaujinti stilių. Plakatinis, itin apibendrintas menas išryškėja. Muzikos kūriniuose vyrauja maršų, maršų ritmas, paprastos akompanimento formos.
Gatvės ir aikštės reikalavo didelių orkestrų su galingu skambesiu, todėl pučiamųjų instrumentų grupė gerokai išsiplėtė.
Atsirado naujų muzikos žanrų, ypač masinės dainos. Pavyzdžiui, Rouget de Lisle „Marseillaise“, „Carmagnola“. Kantatos, oratorijos ir operos pasipildė nauju turiniu. Operos lauke atsirado naujas žanras - „Išganymo ir siaubo“ opera, kuri parodė kovą išgelbėti herojų, visada pasibaigiančią gėrio pergale prieš blogį. Tuo pačiu metu šių operų siužetas apėmė siaubo ir dramatiškų situacijų scenas. Pirmasis toks kūrinys buvo Henrio Bertono opera „Vienuolyno siaubas“. „Išgelbėjimo ir siaubo“ opera operos žanre įnešė daug naujų dalykų: 1) paprasti žmonės tapo herojais, o ne išskirtinėmis asmenybėmis; 2) išsiplėtė intonacinė sfera, priartėjo prie kasdienės muzikos; 3) išaugo simfonijos ir skersinio vystymosi vaidmuo.
Bethoveno kūrybos ypatybės. Prancūzų revoliucija, nepaisant visos kultūros svarbos, nesukūrė daugiau nei vieno išskirtinio prancūzų kompozitoriaus, kuris atspindėtų jos idėjas. Toks kompozitorius buvo puikus vokiečių muzikos atstovas Ludwigas van Bethovenas, kurio menas toli peržengia savo laiko ribas. Visų XX amžiaus romantikų, rusų muzikantų ir kompozitorių kūryba yra susijusi su Bethoveno kūryba.
Bethovenas buvo galingų XVIII–XIX amžių sandūros revoliucinių judėjimų amžininkas, jo kūryba buvo susijusi tiek su Prancūzijos revoliucijos idėjomis, tiek su revoliuciniu judėjimu Vokietijoje ir kitose Europos šalyse.
Bethoveno kūrybos ištakos: 1) prancūzų kultūra. Su ja susipažino Bonoje, kuri yra netoli Prancūzijos ir kur dažnai skambėjo prancūzų kompozitorių, ypač Grétry ir Monsegny, muzika. Be to, Bethovenas buvo artimas Prancūzijos revoliucijos šūkiams - „Laisvė, lygybė ir brolybė“;
2) Vokiečių filosofija siejamas su Sturm und Drang judėjimu ir stiprios asmenybės kultu;
3) turtingiausias Vokiečių muzikinė kultūra, iškilių jos atstovų – Bacho, Hendelio, Glucko, Haidno, Mocarto – kūryba.
Bethovenas yra paskutinis Vienos klasicizmo atstovas. Daug kas daro jį panašų į savo pirmtakus, tačiau daug kuo skiriasi nuo jų. Pagrindinis skirtumas yra civilinės temos naudojimas . Pagrindinė Bethoveno kūrybos tema - tema "herojus" ir žmonės ». Herojus visada laimi, bet jo kova sunki ir jam tenka įveikti daugybę kliūčių.
Naujoji tema taip pat paskatino naujas išraiškos priemones, įskaitant naują sonatos-simfoninio ciklo interpretaciją:
1) pagrindinis vaidmuo skiriamas patetiškiems, herojiškiems, dramatiškiems vaizdiniams;
2) darbai alsuoja nuolatiniu tobulėjimu. Vystymas vyrauja prieš ekspoziciją;
3) tarp temų yra ne tik kontrastas, o konfliktas, ypač tarp pagrindinių ir antraeilių partijų temų;
4) naudojamas išvestinio kontrasto principas, t.y. kontrastą su vienybe jungia tai, kas pasireiškia intonacijų bendrumu tarp pagrindinės ir antrinės dalies (savarankiškos temos, bendrinės intonacijos);
5) herojiškos temos dažnai kuriamos remiantis triadų garsais ir apima maršą primenančius ritmus.
Kita svarbi tema Bethoveno kūryboje yra dainų tekstai . Kompozitorius perteikia visas žmogaus jausmų ir nuotaikų subtilybes. Tačiau lyrinio teiginio atvirumas visada yra suvaržytas proto valios. Neatsitiktinai R. Rollanas Bethoveną pavadino „ugningu upeliu granito kanale“. Ši kompozitoriaus dainų tekstų kokybė pasireiškia formos griežtumu, dalių apgalvotumu ir išbaigtumu.
Trečioji pagrindinė Bethoveno muzikos tema yra gamtos tema , kuriai skirta daug jo kūrinių, tarp jų 6-oji simfonija „Pastoralas“, 15-oji sonata „Pastoralas“, 21-oji sonata „Aurora“, lėtos sonatų dalys, simfonijos, koncertai ir kt.
Bethovenas dirbo beveik visuose muzikos žanruose. Parašė 9 simfonijas, 32 sonatas fortepijonui, 10 sonatų smuikui, 5 fortepijoninius koncertus, uvertiūras, tarp jų „Egmont“, „Coriolanus“, „Leonora Nr. 3“, operą „Fidelio“, vokalinį ciklą „Tolimai mylimajai“. , mišios ir kt. Tačiau pagrindiniai jo kūrybos žanrai yra simfoninis ir kamerinis instrumentinis.
Bethovenas apibendrino svarbiausią muzikos istorijos epochą – klasicizmą ir kartu atvėrė kelią į naują erą – romantizmą. Tai liudija tokie jo kūrybos bruožai: 1) harmoningos kalbos drąsa, mažorinių mažorinių, tolimų toninių santykių vartosena, aštrūs tonalybių pokyčiai; 2) laisvesnės formos, nukrypimas nuo klasikinių kanonų, ypač vėlesnėse sonatose; 3) menų, pirmiausia muzikos ir literatūros, sintezė (9-osios simfonijos finalas); 4) atsigręžimas į tokį romantinį žanrą kaip vokalinis ciklas („Tolimam mylimajam“) ir kt.
Bethoveno kūrinys fortepijonu. „Muzika turi išmušti ugnį iš žmonių širdžių“ – šie Bethoveno žodžiai leidžia suprasti, kokių didelių uždavinių jis iškėlė sau ir menui apskritai. Mintys apie istoriją, apie tautų likimus, įkvėptos revoliucijos dvasios, yra visų Bethoveno kūrinių, įskaitant jo fortepijonines sonatas, teminės temos pagrindas. Pasak B. Asafjevo, „Bethoveno sonatos yra visas žmogaus gyvenimas“.
Bethovenas visą gyvenimą dirbo prie fortepijono sonatos. Būdamas pagrindinis virtuozas, jis pademonstravo neišsemiamas išraiškos galimybes tuo metu dar netobulam instrumentui. Jei simfonija Bethovenui buvo monumentalių idėjų sfera, tai sonatose jis perteikė vidinį žmogaus gyvenimą, jo išgyvenimų ir jausmų pasaulį. Bethovenas parašė 32 sonatas fortepijonui, o jau pirmoje f-moll sonatoje atsiskleidžia ryškūs individualūs bruožai, kitokie nei Haidnas ir Mocartas. Bethovenas drąsiai laužo tradicines formas ir naujai sprendžia sonatos žanro problemą, kaip ir Bachas sugriovė griežtos polifonijos pagrindus ir sukūrė laisvą polifoninį stilių.
Bethoveno sonatos demonstruoja šio žanro raidą kompozitoriaus kūryboje. Ankstyvosiose sonatose ciklas svyruoja nuo 3 iki 4 dalių, viduriniame laikotarpyje vyrauja 3 dalys, atsiranda polinkis suspausti ciklą, atsiranda 2 dalių sonatos (19, 20). Vėlesnėse sonatose kiekviena kompozicija yra individuali.
BETHOVENO FORTEPIONINĖS SONATOS.
SONATA Nr. 8 „Apgailėtina“».
Pirma dalis pradeda lėtai prisistatymai (Įvadas, Grave ) , kuriame yra pagrindinis kūrinio vaizdas – dramatiškas, intensyvus. Tai prasminis sonatos turinio centras, liudijantis Bethoveno novatoriškumą ir nubrėžiantis leitmotyvinės muzikos kūrimo kelią. Pradinė intonacija yra progresuojantis judesys aukštyn, pasibaigiantis mažėjančia sekunde. Temos dramatiškumas siejamas su sumažėjusio septintojo akordo, punktyrinio ritmo, ryškiai apibrėžtų intonacijų harmonija. Įžangoje kontrastuojamas ir sugretinamas du įvaizdžiai – dramatiškas ir lyrinis. Prieštaringų principų susidūrimas ir kaitaliojimas yra Įvado esmė. Tolimesnėje raidoje pradinė intonacija keičiama į mažorinį režimą (E-dur) ir garsus fortepijonas ir vėlesni grėsmingi akordai – forte. Taip sukuriamas ne tik figūrinis, bet ir dinaminis kontrastas.
Pagrindinis vakarėlis pateikta pagrindiniu klavišu (C-moll). Jam neįprasta tai, kad jis pastatytas ant toninio organo taško ir turi S nuokrypį, kuris labiau būdingas paskutinėms sekcijoms. . Šoninė partija susideda iš dviejų temų. Pirmoji tema – greitas, susijaudinęs – skamba ne tradiciniu klavišu (E-moll), o E-moll. Bosuose yra D vargonų taškas, kas taip pat nebūdinga ekspozicijų skyriams. Vargonų taškas būdingas raidos konstrukcijoms. Antroji šoninės dalies tema atkuria labiau pažįstamą paralelinio mažoro klavišą ir yra išdėstyta E-dur. Ji ramesnė, nes... apima ilgą laiką ir yra labiau apšviestas. Kūrimas pradedamas nuo įvadinės temos, kuri yra gerokai sutrumpinta ir daugiausia plėtojama pagrindinės dalies tema. Repriza atkartoja ekspozicijos medžiagą, bet skirtingais toniniais santykiais: pirmoji šoninės dalies tema – ne c-moll, o f-moll tonas. Pagrindinis raktas grįžta antroje šoninės dalies temoje. Pirmoji dalis baigiama coda, kurioje vėl skamba įžanginė tema.
Antra dalis– lyrinis sonatos centras. Jis pateikiamas A-dur klavišu ir yra trijų dalių struktūra. Tai tipiško Bethoveno lyrizmo pavyzdys: tema melodinga, tačiau griežto ir santūraus pobūdžio. Vidurinėje dalyje muzika įgauna intensyvesnį skambesį, nes prasideda A-moll, yra nestabilaus pobūdžio ir apima trynukus. Reprizė yra dinamiška, kurioje originali tema sukasi iš vidurio dalies pasiskolinto tripleto judesio fone.
Trečioji dalis parašyta pagrindiniu klavišu, forma rondo sonata. Pagrindinis skirtumas nuo sonatos formos yra tas, kad ekspozicijos pabaigoje, po finalinės dalies, vėl atliekama pagrindinės dalies tema. Pagrindinė dalis vėl skamba reprizo pabaigoje. Vietoj tobulėjimo – A-dur epizodas. Pagrindinės dalies tema intonaciniu požiūriu susijusi su pirmąja šoninės dalies tema nuo pirmosios dalies. Šoninė dalis išdėstyta paraleliniu mažoru.
SONATA Nr. 14 "MOON"
Ši sonata buvo sukurta 1801 m. ir išleista 1802 m. Jis skirtas grafienei Giuliettai Guicciardi. Pavadinimą „mėnulis“ sonatai suteikė šiuolaikinis Bethoveno poetas Ludwigas Relstabas, kuris pirmosios sonatos dalies muziką palygino su Firwaldstät ežero kraštovaizdžiu mėnulio naktį.
Bethovenas šią sonatą sukūrė sunkiu savo gyvenimo laikotarpiu. Viena vertus, jis jau buvo išgarsėjęs kaip kompozitorius ir virtuozas, jis buvo kviečiamas į iškiliausių bajorų namus, turėjo daug mecenatų. Kita vertus, jį išgąsdino prasidėjęs kurtumas, kuris vis labiau progresavo. Klausą praradusio muzikanto tragediją apsunkino nelaimingos meilės jausmą patyrusio vyro tragedija. Jausmas Džuljetai Guicciardi, matyt, buvo pirmoji Bethoveno gili meilės aistra ir pirmasis toks pat gilus nusivylimas. 1802 m. spalį kompozitorius parašė garsųjį „Heiligenštato testamentą“ – tragišką savo gyvenimo dokumentą, kuriame beviltiškos mintys apie klausos praradimą derinamos su apgautos meilės kartumu.
„Mėnesienos sonata“ yra viena pirmųjų Bethoveno kompozicijų po to, kai jis patyrė psichinę ir kūrybinę krizę.
Sonata parašyta c-moll klavišu ir susideda iš 3 dalių.
Pirma dalis neįprastas. Vietoj visuotinai priimtos sonatos allegro čia skamba Adagio. Pats kompozitorius tai apibrėžia kaip fantaziją. Ir išties, pirmoji dalis pateikta fantazijai būdinga preliudija-improvizacine maniera. Pirmoji dalis prasideda trumpa įžanga, kurioje nuolatinio boso fone suskaidomi trijų natų akordai tripleto ritmo skambesyje. Tada atsiranda pagrindinė melodija, griežtai sutelkta. Jam būdingas garsų pasikartojimas, punktyrinis ritmas, tyli dinamika. Forma artėja prie trijų dalių. Vidurinėje dalyje tema įgauna intensyvesnį ir dramatiškesnį pobūdį, įvedami sumažinti sąskambiai ir perėjimai prie kitų klavišų. Repriza yra suspausta ir grindžiama laipsnišku temos nykimu.
Antra dalis - Allegretas, D-dur. Jis laikomas Giuliettos Guicciardi portretu. Antroji dalis žaisminga, grakšti su šokio elementais. R. Rollanas ją pavadino „gėle tarp dviejų bedugnių“, nes jis smarkiai kontrastuoja su kraštutinėmis dalimis. Antrosios dalies forma – sudėtinga trijų dalių su trio. Pagrindinė tema pateikiama akordų struktūra, 3 taktų ritmu.
Trečioji dalis– Presto agitato, c-moll. Tai yra visos sonatos svorio centras. Trečia dalis buvo parašyta išplėtota sonatos forma. Paskutinė dalis išsiskiria nevaldoma energija, įtampa ir dramatiškumu. R. Rollandas tai apibrėžia kaip krušos srovę, „kuri sukrečia ir sukrečia sielą“. Jo pagrindinės partijos charakteristika yra tokia pat vaizdinga, kurią jis lygina su bangomis, riedančiomis ir daužančiomis granito plokštes. Iš tiesų, pagrindinė dalis yra paremta judesiu aukštyn pagal suskaidytos triados garsus, lydimus toninio kvintelio, kuris baigiasi akordo potėpiais. Antrasis pagrindinės partijos sakinys išsivysto į jungiamąją partiją, kuri tiesiogiai virsta antrine. Šoninė dalis turi ryškią melodingą liniją, maištinga ir veržli. Šalutinė dalis buvo rašoma ne tradiciniu paraleliniu mažoru, o minorinio dominanto klavišu, t.y. G-moll. Baigiamoji dalis gana išvystyta, pateikta akordais. Plėtra yra intensyvus pagrindinių ir antrinių partijų temų plėtojimas. Reprize visos temos skamba pagrindiniu klavišu. Finalas išsiskiria išvystyta koda, kuri yra tarsi antrasis kūrinys. Ši technika būdinga Bethoveno simfonijoms ir rodo simfoninio principo įsiskverbimą į sonatos žanrą.
SONATA Nr.23 „APPACE».
Appassionata Sonata skirta karštam Bethoveno gerbėjui grafui Franzui Brunsvikui. Bethovenas pradėjo jį kurti 1804 m. ir tikriausiai baigė 1806 m. Jis buvo paskelbtas 1807 m.
Pavadinimas „appasionata“ priklauso ne pačiam kompozitoriui, o Hamburgo leidyklai „Kranz“. Nepaisant to, šis pavadinimas gerai išreiškia kūrinio esmę, todėl yra tvirtai prie jo prisirišęs. Bethovenas sonatą pradėjo kurti sunkiais pačiam metais. Jis patyrė tuos pačius jausmus, kaip ir kurdamas „Mėnesienos“ sonatą. Progresuojantis ir muzikantui nepakeliamas kurtumas, skaudžios meilės ir draugystės negandos, nuolatinė dvasinė vienatvė – visa tai kūrė prielaidas niūriam, tragiškam kūriniui. Tačiau galinga Bethoveno dvasia padėjo jam įveikti šiuos išbandymus. Todėl sonata yra ne tik dramatiška, ji alsuoja milžiniška valia ir energija.
Sonata parašyta f-moll klavišu ir susideda iš 3 dalių. Pirma dalis - Allegro assai, sonatos forma. Čia pirmą kartą kompozitorius atsisakė kartotinės ekspozicijos, todėl visas pirmasis judesys suskamba vienu atodūsiu. Pagrindinis vakarėlis susideda iš 3 kontrastingų elementų. Pirmasis elementas reiškia vienbalsį judėjimą pagal toninės triados garsus, pirmiausia mažėjančiu, paskui kylančiu judesiu. Dešinė ir kairė rankos atlieka pradinį elementą dviejų oktavų atstumu. Antrasis elementas yra trilo formos. Trečiasis – keturių natų motyvas, savo pobūdžiu primenantis 5-osios simfonijos likimo temą. Pagrindinė šalis ne tik pristato medžiagą, bet ir iš karto ją plėtoja. Šoninė partija pateiktas A-dur klavišu, intonaciniu požiūriu susietas su pirmuoju pagrindinės dalies elementu, tačiau turintis savarankišką įvaizdį – didingą, griežtą ir drąsų. Tai yra išvestinio kontrasto principas. Plėtra temas plėtoja ta pačia seka kaip ir ekspozicijoje, tačiau išsiskiria toniniu nestabilumu ir kitokia faktūra, todėl suvokiama dramatiškiau. Prieš reprizą pasigirsta galingi „likimo motyvo“ smūgiai. Persmelkia tas pats motyvas reprizuoti– ant jo pastatyta pagrindinė partija. Šoninė dalis reprizoje išdėstyta F-dur. Pirmosios dalies kūrimo rezultatas yra kodas. Pirmoji dalis išsiskiria dideliu mastu ir plėtros intensyvumu, o tai išskiria „Appassionata“ iš kitų kompozitoriaus sonatų.
Antra dalis – Andante con moto, D-dur. Jo charakteris kontrastuoja su pirmąja dalimi, skamba ramiai, kontempliatyviai, bethoveniškai, lyriškai griežtai. Forma yra kintama. Tema pateikiama apatiniame registre chorine, akordine faktūra. Variacijos grindžiamos laipsnišku ritminiu pagreičiu, t.y. su kiekvienu trukmės variantu jos trumpėja: aštuntos, šešioliktos, trisdešimt antrosios natos. Antrosios dalies pabaigoje slapta ir atsargiai suskamba sumažėjęs septintas akordas, o tada be pertraukų prasideda trečioji dalis.
Trečioji dalis– Allegro ma non troppo, f-moll. Finalas turi daug bendro su pirmąja dalimi tiek charakterio, tiek kūrimo technikos prasme. Bethoveno amžininkai šioje sonatoje įžvelgė panašumą į Šekspyro „Audrą“ ir todėl pavadino ją „Šekspyriška“. Trečioji dalis tam suteikė didžiausią pagrindą. Finalas dar ryškesnis nei pirmoji dalis ir primena vieną sūkurį. Forma – sonata, bet visos dalys tarsi susilieja. Finalo kodoje įsibėgėja tempas ir atsiranda A-dur klavišas, kas suteikia pagrindo jį laikyti ne tik finalinės dalies, bet ir visos sonatos užbaigimu. Tai žmogiškos dramos, kupinos vidinių prieštaravimų ir pasibaigiančios herojaus mirtimi, rezultatas. Tačiau, nepaisant tragiškos pabaigos, sonatoje nėra pesimizmo, nes herojus savo kelionės pabaigoje atrado gyvenimo prasmę, todėl „Appassionata“ laikoma „optimistine tragedija“.
SIMFONIJA Nr.5.
Simfoninė kūryba. Bethoveno simfonizmas išaugo Haydno ir Mocarto paruoštoje dirvoje, kurių kūryboje galutinai susiformavo sonatos-simfoninio ciklo ir sonatos formos sandaros ir raidos principai. Bet Bethoveno simfonijos yra nauja, aukštesnė simfonizmo pakopa. Tai liudija simfonijų mastas, gerokai viršijantis jo pirmtakų simfonijų mastą, ir vidinis turinys, kaip taisyklė, herojiškas ir dramatiškas, bei orkestro skambesys dėl orkestro sudėties padidėjimo ir , visų pirma, žalvario grupė. Beethoveno simfonizmo raidai įtakos turėjo Prancūzijos revoliucijos muzika su herojiškais įvaizdžiais, žygių ir kampanijų ritmais, fanfarų intonacijomis, galingu orkestro skambesiu. Be to, vidinis simfonijų kontrastas siejamas su operinės dramaturgijos principais.
Bethovenas sukūrė devynias simfonijas. Palyginti su Haydnu ir Mocartu, tai nėra daug, bet tam yra priežasčių. Pirma, Bethovenas pradėjo rašyti simfonijas tik būdamas trisdešimties, iki tol jis nedrįso kreiptis į šį žanrą, suvokdamas visą simfonijų rašymo atsakomybę. Antra, dėl tos pačios priežasties jis gana ilgai rašė simfonijas: 3-oji užtruko pusantrų metų, 5-oji – ketverius, 9-oji – dešimt metų. Visos simfonijos reprezentuoja nuoseklią šio žanro raidą kompozitoriaus kūryboje. Jei pirmoji simfonija nubrėžė tik Bethoveno simfonizmo bruožus, tai devintoji simfonija yra šio žanro raidos kulminacija. Į šios simfonijos finalą Bethovenas įtraukė poetinį tekstą – Šilerio „Odė džiaugsmui“, taip numatydamas romantišką epochą savo menų sinteze.
Simfonija Nr.5– viena iš Bethoveno simfonizmo viršūnių. Jo pagrindinė idėja – herojiška kova, kupina dramatiškos įtampos ir nerimo, bet baigiasi įtikinama pergale. Todėl simfonijos dramaturgija statoma „iš tamsos į šviesą per kovą ir kančią“.
Penktoji simfonija parašyta c-moll klavišu ir susideda iš 4 dalių. Simfonijoje didžiulį vaidmenį atlieka keturi taktai. įžanga , kuriame skamba „likimo motyvas“. Paties kompozitoriaus žodžiais tariant, „taip likimas beldžiasi į duris“. Ši įžanga simfonijoje atlieka tą patį vaidmenį, kaip ir leitmotyvas operoje. Likimo motyvas persmelkia visas šio kūrinio dalis.
Pirma dalis– Allegro con brio, c-moll. Forma – sonata. Pagrindinis vakarėlis– dramatiškas, maištingas, plėtoja įžangos temą. Susiejanti šalis reiškia naują pagrindinės partijos raidos etapą, baigiant fanfariniais žingsniais, kurie numato antrinę partiją. Šoninė partija(E-dur) – lyriškesnis, švelnus, kontrastuojantis su pagrindine partija. Palaipsniui tai tampa dramatizuota. Finalinis žaidimas paremtas pagrindinės dalies medžiaga, bet skamba drąsiau ir herojiškiau. Plėtra– nuolatinis pagrindinės partijos intonacijų vystymas. Plėtros viršūnėje prasideda kulminacija reprizuoti. Nauja reprizoje, palyginti su ekspozicija, yra, pirma, obojaus solo pagrindinėje partijoje, antra, šalutinės partijos C-dur ir nauja orkestruotė. Kodas patvirtina pagrindinės partijos temą, dar neduoda išvados, pranašumas yra blogio, priešiškų jėgų pusėje.
Antra dalis– Andante con moto, A-dur. Forma – dvigubos variacijos, kaip ir Haydno simfonijos E-dur antrojoje dalyje (simfonija Nr. 103, su timpani tremolo). Pirmoji tema lygi, daininga, banguojanti. Antroji pirmojo spektaklio tema savo pobūdžiu artima pirmajai, antrajame spektaklyje įgauna fanfarinį, herojišką charakterį dėl garsaus skambėjimo (ff), pučiamųjų orkestro skambesio. Tada temos keičiamos po vieną.
Trečioji dalis– allegro, c-moll. Tai scherzo, parašytas sudėtinga 3 dalių forma su trio. Muzikos charakteris ekstremaliuose judesiuose neatitinka scherzo kaip pokšto apibrėžimo. Šis scherzo skamba dramatiškai. Pirmoje dalyje lyginamos dvi temos. Pirmoji tema susideda iš dviejų elementų: pirmasis elementas reprezentuoja vienbalsį kylantį judesį pagal toninės triados garsus, antrasis elementas yra sklandesnis, akordinis judesys. Antroji tema yra kalama, įkyri ir pagrįsta „likimo motyvu“. Trio – C-dur – labiausiai atitinka tradicinį scherzo charakterį. Tema rimta, grubi, šokama su sveiku liaudišku humoru. Jis pateikiamas vieningu violončelės ir kontraboso skambesiu. Repriza dinamiška, sušvelnėja trio įtakoje, skaidresnė jos orkestruotė.
Ketvirtoji dalis, finalas – Allegro, C-dur. Finalo personažas džiaugsmingas ir šventiškas. Forma – sonata, kur pagrindinė ir antrinė dalis neprieštarauja, o papildo viena kitą. Finalo kodas yra visos simfonijos pabaiga. Piktosios jėgos pagaliau nugalimos, o išsivadavusi žmonija džiaugiasi ilgai laukta pergale.
Mocartas rašė operas visą savo gyvenimą, pradedant nuo 11 metų. Tačiau aukščiausi jo pasiekimai šioje srityje siekia Vienos laikotarpį („Figaro vedybos“, „Don Džovanis“, „Stebuklinga fleita“). Mocartas parašė įvairių tipų ir žanrų operas:
Singspiel (Pagrobimas iš seralio, Stebuklinga fleita)
opera-buffa („Figaro vedybos“, „Taip daro visos moterys“)
operas-seria („Idomenėjas, Kretos karalius“, „Tito gailestingumas“).
Opera "Donžuanas", jungiantis muzikinės tragedijos ir komedijos bruožus, negali būti redukuojamas iki nė vieno iš šių tipų. Mocartas tai pavadino „gėjų drama“. Ši opera buvo sukurta Prahos operos teatro užsakymu. Didžiausias operos pasiekimas yra tendencija plėtoti iki galo, tradiciniu skirstant į pilnus skaičius.
Opera "Figaro vedybos" parašyta pagal antrąją Beaumarchais trilogijos dalį „Pamišusi diena arba Figaro vedybos“, nepaisant to, kad ji buvo uždrausta cenzūros (komedija atskleidžia feodalinę-aristokratinę Prancūzijos santvarką 1789 m. buržuazinės revoliucijos išvakarėse). .
Operoje "Stebuklinga fleita" Atsispindėjo kai kurie masonijos aspektai, religinis ir etinis mokymas, kuriam Mocartas priklausė ir pastaraisiais metais parašė keletą masonų kantatų. Opera – filosofinė pasaka, kurios prasmė – šviesos pergalė prieš tamsą, proto ir gėrio pergalė prieš blogį. Čia pasakų pavidalu šlovinama ideali teisingumo, brolybės ir draugystės karalystė. „Stebuklingoje fleitoje“ Mocartas kreipiasi į „Singspiel“ žanrą su žodiniu dialogu ir vokišku tekstu. Bethovenas šią operą laikė bene geriausia Mocarto opera. Gėtę taip sužavėjo „Stebuklingoji fleita“, kad jis sumanė jos tęsinį ir net pradėjo rašyti libretą.
Kartu su Glucku Mocartas buvo didžiausias XVIII amžiaus operos teatro reformatorius. Tačiau, skirtingai nei jis, jis nedeklaravo savo reformos teoriškai. Jei Gluckas siekė pajungti muziką dramatiškam veiksmui, tai Mocartui, atvirkščiai, muzika buvo operos pagrindas. Mocartas rašė: „Operoje poezija turi būti klusni muzikos dukra“. Mocartas manė, kad libreto tekstas turi būti glaustas, o ne vilkinti veiksmą.
Vienas iš aukščiausių novatoriškų Mocarto operinės dramaturgijos laimėjimų yra muzikinių savybių įvaldymas aktoriai. Iki Mocarto muzikinės herojų savybės buvo beveik visiškai ignoruojamos. Tai buvo savotiškos muzikinės „kaukės“ su išvystyta išraiškingumo technika. Nesinaudodamas leitmotyvais, Mocartas savo operų herojus apdovanojo melodiniais posūkiais, formuojančiais vientisą vaizdą. Taigi Don Žuano atvaizde pabrėžiama jo meilė gyvenimo malonumui, drąsa ir drąsa; Suzanos įvaizdyje - moteriškas patrauklumas, gudrumas. Arijose sutelktos personažų muzikinės savybės. Svarbų vaidmenį Mocartas skiria ir ansambliams, kuriuose dažniausiai gausu intensyvaus dramatizmo.
4. Simfoniniai Mocarto kūriniai. Simfonijos. Koncertai.
Mocarto kuriami simfoninės muzikos žanrai – simfonijos, serenados, divertismentai, kasacijos (serenadai artimas žanras), koncertai įvairiems instrumentams su orkestru.
Visą savo gyvenimą Mocartas vienu metu dirbo prie operų ir instrumentinių kūrinių, todėl jų atsirado abipusė įtaka: Operos muzika praturtinta simfoninio tobulėjimo technikomis, instrumentinė muzika persmelkta melodingumo. Daugelis Mocarto simfoninių ir kamerinių kūrinių muzikinių vaizdų yra artimi jo operų arijoms ir ansambliams (40 simfonijos G.P.I dalys ir Cherubino arija „Negaliu pasakyti, nemoku paaiškinti“; „Arija su portretu“ Tamino iš „Stebuklingos fleitos“ ir simfonijos Nr. 40 II dalies tema).
Mocarto simfonijų vaizdai:
lyriškas
šokis
dramatiškas
filosofinis.
Dramatizmas dažnai buvo pasiektas naudojant kontrastingus elementus vienoje temoje - būdingą Mocarto stiliaus bruožą, kuris buvo plėtojamas Bethoveno kūryboje (G. P. I simfonijos Nr. 41 „Jupiteris“ dalys, susidedančios iš 2 kontrastingų elementų: drąsaus- herojiškas ir lyriškas). Dviejų kontrastingų elementų buvimas vienoje temoje yra stimulas tolesniam įvairių muzikinių vaizdų vystymui, palyginimui ir susidūrimui.
Pirmąsias simfonijas Mocartas parašė būdamas 8 metų, jausdamas I. K. simfonijų įspūdį. Bachas. Ankstyvosios Mocarto simfonijos artimos siuitai, serenadai, divertimentui ir neturi organiškos ciklo vienybės.
Trys garsiausios Mocarto simfonijos buvo sukurtos 1788 m.
Nr.39 Es-dur – herojiškas-dramatiškas, lengvas, paremtas šokio temomis;
Nr.40 g-moll – lyriškai išraiškingas, pagarbiai susijaudinęs. Jis kartais vadinamas „verterišku“, nes. ji, kaip ir Goethe's „Jaunojo Verterio sielvartai“, gimė „Audros ir tvankos“ laikotarpio atmosferoje su padidintu emocionalumu ir jausmų išliejimu, taip numatant romantišką simfonizmą.
Nr.41 C-dur („Jupiteris“) – didingas, monumentalus (pavadinimo Mocartas nepateikė). Jo ypatumas tas, kad visas vystymasis veda į monumentalų finalą, vainikuojantį simfoniją, kaip į didingą kupolą, vainikuojantį grandiozinę katedrą (finalas – sonatos allegro ir trigubos fugos derinys).
Vieną reikšmingų vietų Mocarto kūryboje užima koncertai įvairiems instrumentams akompanuojant orkestrui. Klasikinio tipo koncertą sudaro dvi ekspozicijos:
I - orkestro ekspozicija, kurioje pateikiama pagrindinė teminė medžiaga
II – solo instrumento ekspozicija.
Solo partija išsiskyrė savo virtuoziškumu. Laisvoji virtuozinė kadenza (po K 6 4 prieš pirmosios dalies kodą) buvo skirta solistės improvizacijai. Tik XIX amžiuje kadenzas pradėjo kurti pats kompozitorius, antroji koncerto dalis – lėta, trečia – žanro finalas.
Tarp gausių Mocarto koncertų išsiskiria fortepijoniniai – d-moll, c-moll, C-dur, Es-dur; smuikas - D-dur, A-dur. Tai koncertinės ir simfoninės muzikos šedevrai. Mocarto koncertai ne mažiau simfoniški nei jo simfonijos.
Mocarto orkestras yra tokia pati kompozicija kaip ir Haidno orkestras (porinis). Tačiau Mocartas labiau pasinaudojo išraiškingomis instrumentų savybėmis, jų melodingumu (ypač styginiais).