Symfonie Mozarta. Livanova

Chociaż Mozart napisał ponad 50 symfonii, niektóre z nich (wczesne) zaginęły. Wielki kompozytor napisał swoją pierwszą symfonię w wieku ośmiu lat, a wszystkie swoje dzieła w tym gatunku stworzył w ciągu 25 lat. Trudno określić, które symfonie napisał Mozart, chociaż istnieje numerowana lista 41 dzieł. Ale trzy z nich są uznawane za dzieła innych kompozytorów, autorstwo czwartego budzi wątpliwości. Poza oficjalną listą znajduje się około 20 autentycznych symfonii, zarówno Mozarta, jak i wiele dzieł symfonicznych, których autorstwo jest kwestionowane.

Pierwsze symfonie Mozarta stanowiły wstęp lub zakończenie głównego dzieła muzycznego. Głównym wydarzeniem koncertowego wieczoru stały się późne dzieła tego gatunku muzycznego.

Gatunek symfonii został wymyślony przez kompozytorów włoskich. W XVIII wieku został przyjęty przez mistrzów muzyki w Niemczech i Austrii. Około 1760 roku kompozytorzy na ziemiach niemieckich zaczęli dodawać do utworu menueta, umieszczając go pomiędzy częścią wolną a finałem. W ich rękach narodził się gatunek czteroczęściowej symfonii. Rosnąca złożoność treści dzieł muzycznych zmusiła kompozytorów do pogłębienia treści każdej z czterech części symfonii. Tak narodził się w XVIII wieku gatunek symfonii wiedeńskiej.

W 1764 roku ośmioletni Mozart napisał swoją pierwszą symfonię. Był już znany w Europie jako wykonawca cudownego dziecka. Oryginalny zapis nutowy pierwszej symfonii austriackiego kompozytora znajduje się obecnie w Bibliotece Uniwersytetu Jagiellońskiego (Kraków).

Wolfgang i jego ojciec Leopold podróżowali po Europie. W Anglii zachorował Mozart senior i ojciec z synem pozostali w Londynie. Tam młody muzyk napisał swoją pierwszą symfonię, a tablica pamiątkowa na domu przy Ebury Street przypomina współczesnym ludziom o tym wydarzeniu. I Symfonia została wykonana po raz pierwszy w lutym 1765 roku. Na kompozycję muzyczną młodego Mozarta miał wpływ styl jego ojca i mieszkającego w Londynie kompozytora Johanna Christiana Bacha, z którym Mozartowie byli zaznajomieni.

Mozart napisał pierwsze dzieła symfoniczne w tradycji włoskiej. Kierował się jednak symfoniami Johanna Christiana Bacha, Niemca tworzącego pod wpływem tradycji włoskiej. Mozart pisał pod wpływem Bacha, mieszkając i studiując w Londynie jako nastolatek. Na początku swoich symfonii Bach stosował naprzemiennie forte i fortepian, a Mozart stosował tę technikę w większości swoich symfonii.

W 1767 roku młody Mozart odwiedził Wiedeń. Znajomość wiedeńskiej tradycji muzycznej wzbogaciła jego kompozycje muzyczne: w symfoniach pojawił się menuet, a grupę smyczkową uzupełniły dwie altówki. W 1768 roku młody kompozytor, wykorzystując swoje doświadczenie, napisał cztery symfonie.

W latach 1770–1773 Wolfgang Amadeusz Mozart ciężko pracował i podróżował. W tym czasie napisał 27 symfonii. W kolejnych latach nie napisał już eseju z tego gatunku. Wreszcie w 1778 roku, przebywając w Paryżu, kompozytor otrzymał polecenie napisania symfonii na otwarcie sezonu koncertowego w święto Bożego Ciała w „Koncertach duchowych”. Nowe dzieło wymagało użycia dużej liczby instrumentów, Mozart napisał nawet na rękopisie: „Symfonia na dziesięć instrumentów”.

Mozart napisał to dzieło o numerze KV297, skupiając się na francuskich przykładach symfonii. Wracając do Salzburga, kompozytor skomponował jeszcze dwa utwory w tym gatunku, bliskim „stylu wiedeńskiemu”. W latach 1781 - 1788 Wolfgang mieszkał w Wiedniu iw ciągu siedmiu lat w stolicy Austrii stworzył pięć dzieł symfonicznych.

W sierpniu 1788 Mozart zakończył prace nad Symfonią Jowiszową, która jest 41. i ostatnią na oficjalnej liście jego dzieł symfonicznych. Symfonia otrzymała swoją nazwę, jak napisał syn kompozytora Franz Mozart, od impresario Johanna Salomona.

Powód ma związek z muzyką i nauką. Finał utworu przypomina symfonię Karla Dittersa „Upadek Faetona”. Salomon wiedział, że Grecy nazywali planetę Jowisz Faeton, dlatego z odrobiną ironii nadał symfonii Mozarta majestatyczną nazwę. Ostatnia symfonia Mozarta zyskała uznanie krytyków i wkrótce została uznana za arcydzieło.

Istnieje lista 39 symfonii, które pierwotnie przypisywano austriackiemu kompozytorowi. Jego autorstwo zostało później odrzucone lub zakwestionowane.

Istnieje kilka powodów, dla których niektóre dzieła muzyczne zostały błędnie przypisane Mozartowi:

  • Młody Austriak przepisywał partytury innych kompozytorów, aby je studiować. Kiedy odkryto nagrania symfonii pisane ręką Mozarta, błędnie przypisano je jemu. Tak więc Wolfgangowi przypisano kilka dzieł jego ojca Leopolda Mozarta.
  • Stając się uznanym kompozytorem, Mozart włączał symfonie młodych muzyków do partytur swoich koncertów. Chociaż przedstawił społeczeństwu prawdziwego autora, czasami utrzymywało się zamieszanie.
  • W XVIII wieku opublikowano niewiele zapisów muzycznych, a wersje pisane odręcznie były szeroko rozpowszechniane, przyczyniając się do zamieszania.
  • Niektóre symfonie Mozarta zaginęły. Dlatego też znaleziska rękopisów dzieł muzycznych w miejscach związanych z austriackim mistrzem przypisywano mu pośpiesznie, aż do czasu znalezienia zaprzeczeń.

Złożoność zagadnienia, ile symfonii napisał Mozart, pokazuje, że nawet geniusz na początku swojej kariery nie jest wolny od naśladownictwa. Zamieszanie wokół symfonii przypisywanych kompozytorowi wynika po części z jego doświadczeń w nauce korzystania z dzieł innych mistrzów.

Jednym z przedstawicieli tej szkoły jest wybitny austriacki kompozytor W. A. ​​Mozart. Jego dar objawiał się już od wczesnego dzieciństwa. Twórczość Mozarta odzwierciedla idee ruchu Sturm und Drang i niemieckiego oświecenia. Doświadczenia artystyczne różnych tradycji i szkół narodowych przekładają się na muzykę. Te najsłynniejsze, których lista jest ogromna, zajęły miejsce w historii sztuki muzycznej. Napisał ponad dwadzieścia oper, czterdzieści jeden symfonii, koncerty na różne instrumenty i orkiestrę, kameralne dzieła instrumentalne i fortepianowe.

Krótka informacja o kompozytorze

Wolfgang Amadeusz Mozart (austriacki kompozytor) urodził się 27 stycznia 1756 roku w pięknym mieście Salzburg. Oprócz komponowania? był znakomitym klawesynistą, kapelmistrzem, organistą i wirtuozem skrzypiec. Miał absolutnie niesamowitą pamięć i pasję do improwizacji. Wolfgang Amadeusz Mozart jest jednym z najwybitniejszych nie tylko swoich czasów, ale także naszych czasów. Jego geniusz znalazł odzwierciedlenie w dziełach napisanych w różnych formach i gatunkach. Dzieła Mozarta są nadal popularne. A to świadczy o tym, że kompozytor przeszedł „próbę czasu”. Jego nazwisko najczęściej wymieniane jest jednym tchem z Haydnem i Beethovenem jako przedstawiciel klasycyzmu wiedeńskiego.

Biografia i droga twórcza. 1756-1780 lat życia

Mozart urodził się 27 stycznia 1756 r. Zacząłem komponować wcześnie, w wieku około trzech lat. Mój ojciec był moim pierwszym nauczycielem muzyki. W 1762 roku udał się z ojcem i siostrą w wielką podróż artystyczną do różnych miast Niemiec, Anglii, Francji, Szwajcarii i Holandii. W tym czasie powstały pierwsze dzieła Mozarta. Ich lista stopniowo się powiększa. Od 1763 mieszkał w Paryżu. Tworzy sonaty na skrzypce i klawesyn. W latach 1766-1769 mieszkał w Salzburgu i Wiedniu. Lubi zagłębiać się w studiowanie kompozycji wielkich mistrzów. Wśród nich są Handel, Durante, Carissimi, Stradella i wielu innych. W latach 1770-1774. zlokalizowane głównie we Włoszech. Spotyka słynnego wówczas kompozytora Josefa Myslivečka, którego wpływ można prześledzić w dalszej twórczości Wolfganga Amadeusa. W latach 1775-1780 podróżował do Monachium, Paryża i Mannheim. Doświadczanie trudności finansowych. Traci matkę. W tym okresie powstało wiele dzieł Mozarta. Ich lista jest ogromna. Ten:

  • koncert na flet i harfę;
  • sześć sonat klawiszowych;
  • kilka chórów duchowych;
  • 31 Symfonia w tonacji D-dur, zwana Symfonią Paryską;
  • dwanaście numerów baletowych i wiele innych kompozycji.

Biografia i droga twórcza. 1779-1791 lat życia

W 1779 pracował w Salzburgu jako organista nadworny. W 1781 roku w Monachium odbyła się z wielkim sukcesem premiera jego opery Idomeneo. To był nowy zwrot w losach osobowości twórczej. Następnie mieszka w Wiedniu. W 1783 ożenił się z Konstancją Weber. W tym okresie dzieła operowe Mozarta radziły sobie słabo. Ich lista nie jest aż tak długa. Są to opery L'oca del Cairo i Lo sposo deluso, które pozostały niedokończone. W 1786 roku powstał jego znakomity „Wesele Figara” według libretta Lorenza da Ponte. Wystawiono go w Wiedniu i odniósł ogromny sukces. Wielu uważało tę operę za najlepszą operę Mozarta. W 1787 roku ukazała się równie udana opera, która również powstała we współpracy z Lorenzo da Ponte. Następnie otrzymał stanowisko „kameralisty cesarskiego i królewskiego”. Za co otrzymuje 800 florenów. Pisze tańce do maskarad i opery komicznej. W maju 1791 roku Mozart został zatrudniony jako asystent dyrygenta katedry, co nie było płatne, ale dawało możliwość zajęcia jego miejsca po śmierci ciężko chorego Leopolda Hofmanna. Tak się jednak nie stało. W grudniu 1791 roku zmarł genialny kompozytor. Istnieją dwie wersje przyczyn jego śmierci. Pierwsza to powikłanie po chorobie przebiegającej z gorączką reumatyczną. Druga wersja jest podobna do legendy, ale jest popierana przez wielu muzykologów. To jest otrucie Mozarta przez kompozytora Salieriego.

Najważniejsze dzieła Mozarta. Lista esejów

Opera jest jednym z głównych gatunków jego twórczości. Posiada operę szkolną, singspiel, operę seria i buffa, a także wielką operę. Pod piórem Compo:

  • opera szkolna: „Przemiana Hiacynta”, zwana także „Apollem i Hiacyntem”;
  • cykle operowe: „Idomeneo” („Eliasz i Idamant”), „Miłosierdzie Tytusa”, „Mitrydates, król Pontu”;
  • opery buffa: „Wymyślony ogrodnik”, „Oszukany pan młody”, „Wesele Figara”, „Wszyscy tacy są”, „Gęś kairska”, „Don Giovanni”, „Udawany prostak”;
  • Singiel: „Bastien i Bastienne”, „Zaida”, „Porwanie z Seraju”;
  • wielka opera: „opera Czarodziejski flet”;
  • balet pantomimiczny „Błyskotki”;
  • msze: 1768-1780, powstałe w Salzburgu, Monachium i Wiedniu;
  • Requiem (1791);
  • oratorium „Vetulia Wyzwolona”;
  • kantaty: „Pokutujący Dawid”, „Radość masonów”, „Do Ciebie, Duszy Wszechświata”, „Mała Kantata Masońska”.

Wolfgang Amadeusz Mozart. Pracuje na orkiestrę

Utwory na orkiestrę W. A. ​​Mozarta uderzają rozmachem. Ten:

  • symfonie;
  • koncerty i ronda na fortepian i orkiestrę oraz skrzypce i orkiestrę;
  • koncerty na dwoje skrzypiec i orkiestrę w tonacji C-dur, na skrzypce, altówkę i orkiestrę, na flet i orkiestrę w tonacji oboju i orkiestry, na klarnet i orkiestrę, na fagot, na róg, na flet i harfę (C-dur );
  • koncerty na dwa fortepiany i orkiestrę (Es-dur) i trzy (F-dur);
  • zabawy i serenady na orkiestrę symfoniczną, zespół smyczkowy i dęty.

Utwory na orkiestrę i zespół

Mozart dużo komponował na orkiestrę i zespół. Znane prace:

  • Galimathias musicum (1766);
  • Maurerische Trauermusik (1785);
  • Ein musikalischer Spa (1787);
  • marsze (niektóre z nich przyłączały się do serenad);
  • tańce (przeciwtańce, ziemianki, menuety);
  • sonaty kościelne, kwartety, kwintety, tria, duety, wariacje.

Na clavier (fortepian)

Utwory muzyczne Mozarta na ten instrument cieszą się dużą popularnością wśród pianistów. Ten:

  • sonaty: 1774 - C-dur (K 279), F-dur (K 280), G-dur (K 283); 1775 - D-dur (K 284); 1777 - C-dur (K 309), D-dur (K 311); 1778 - A-moll (K 310), C-dur (K 330), A-dur (K 331), F-dur (K 332), B-dur (K 333); 1784 - c-moll (K 457); 1788 - F-dur (K 533), C-dur (K 545);
  • piętnaście cykli wariacji (1766-1791);
  • rondo (1786, 1787);
  • fantazje (1782, 1785);
  • różne sztuki.

Symfonia nr 40 W. A. ​​Mozarta

Symfonie Mozarta powstawały w latach 1764–1788. Trzy ostatnie stały się najwyższym osiągnięciem tego gatunku. W sumie Wolfgang napisał ponad 50 symfonii. Ale według numeracji rosyjskiej muzykologii za ostatnią uważa się 41. symfonię („Jowisz”).

Najlepsze symfonie Mozarta (nr 39-41) to dzieła wyjątkowe, wymykające się ówczesnej typizacji. Każdy z nich zawiera zasadniczo nową myśl artystyczną.

Symfonia nr 40 to najpopularniejsze dzieło tego gatunku. Część pierwsza rozpoczyna się ekscytującą melodią skrzypiec w strukturze pytań i odpowiedzi. Główna część przypomina arię Cherubina z opery „Wesele Figara”. Część boczna jest liryczna i melancholijna, kontrastująca z częścią główną. Rozwój zaczyna się od małej melodii fagotu. Pojawiają się intonacje ponure i żałobne. Rozpoczyna się dramatyczna akcja. Powtórka zwiększa napięcie.

W drugiej części dominuje nastrój spokoju i kontemplacji. Stosowana jest tu także forma sonatowa. Temat główny wykonują altówki, następnie podejmują je skrzypce. Drugi temat wydaje się „trzepotać”.

Trzeci jest spokojny, delikatny i melodyjny. Rozwój przywraca nam nastrój podekscytowania, pojawia się niepokój. Repryzą jest znowu jasna myśl. Część trzecia to menuet z elementami marszu, ale w takcie trzech czwartych. Motywem przewodnim jest odwaga i zdecydowanie. Wykonywany jest na skrzypcach i flecie. W trio wyłaniają się przejrzyste, pastoralne brzmienia.

Szybki finał kontynuuje dramatyczny rozwój, osiągając najwyższy punkt – kulminację. Niepokój i podekscytowanie są nieodłącznym elementem wszystkich części czwartej części. I tylko ostatnie takty stanowią małe oświadczenie.

W. A. ​​Mozart był znakomitym klawesynistą, kapelmistrzem, organistą i wirtuozem skrzypka. Miał absolutny słuch muzyczny, doskonałą pamięć i chęć improwizacji. Jego znakomite dzieła zapisały się na stałe w historii sztuki muzycznej.

Gatunki muzyki symfonicznej tworzonej przez Mozarta to symfonie, serenady, dywersacje, kasacje (gatunek zbliżony do serenady), koncerty na różne instrumenty z orkiestrą.

Przez całe życie Mozart pracował jednocześnie nad operami i dziełami instrumentalnymi, co doprowadziło do ich wzajemnego oddziaływania: muzyka operowa wzbogacona jest o techniki rozwoju symfonicznego, muzyka instrumentalna przesiąknięta jest melodyjnością. Wiele muzycznych obrazów dzieł symfonicznych i kameralnych Mozarta przypomina arie i zespoły z jego oper (GP. I część 40. symfonii i aria Cherubina „Nie wiem, nie potrafię wyjaśnić”; „aria z portret” z „Czarodziejskiego fletu” i temat II części 40 symfonii).

Obrazy symfonii Mozarta:

liryczny

taniec

dramatyczny

filozoficzny.

Dramatyzm często osiągano poprzez obecność kontrastujących elementów w ramach jednego tematu – charakterystyczna cecha stylu Mozarta, który rozwinął się w twórczości Beethovena (GP pierwszej części 41 symfonii „Jowisz”, składającej się z 2 kontrastujących ze sobą elementów: odważny – bohaterski i liryczny). Obecność dwóch kontrastujących ze sobą elementów w jednym temacie jest bodźcem do późniejszego rozwoju, porównywania i zderzenia różnych obrazów muzycznych.

Mozart napisał swoje pierwsze symfonie w wieku 8 lat, pod wpływem symfonii I.K. Kawaler. Wczesne symfonie Mozarta mają charakter zbliżony do suity, serenady, Divertimento i nie posiadają organicznej jedności cyklu.

Trzy najsłynniejsze symfonie Mozarta powstały w 1788 roku:

nr 39 Es-dur – heroiczno-dramatyczny, lekki, oparty na motywach tanecznych;

Nr 40 g-moll - wyrazisty lirycznie, pełen czci podekscytowany. Czasami nazywa się go „werterowskim”, ponieważ narodził się on, podobnie jak „Cierpienia młodego Wertera” Goethego, w atmosferze okresu „Burzy i burzy”, z jego wzmożoną emocjonalnością i wylewem uczuć, antycypując tym samym romantyczny symfonizm.

nr 41 C-dur („Jowisz”) – majestatyczny, monumentalny (nazwy Mozart nie podał). Jego osobliwością jest to, że cały rozwój prowadzi do monumentalnego finału, wieńczącego symfonię, niczym majestatyczna kopuła wieńcząca imponującą katedrę (finał jest połączeniem allegra sonatowego i potrójnej fugi).

Jedno ze znaczących miejsc w twórczości Mozarta zajmują koncerty na różne instrumenty z towarzyszeniem orkiestry. Koncert w stylu klasycznym obejmuje dwie ekspozycje:

I - ekspozycja orkiestrowa, prezentująca główny materiał tematyczny

II - ekspozycja instrumentu solowego.

Partia solowa wyróżniała się wirtuozerią. Swobodna kadencja wirtuozowska (po K64 przed kodą części pierwszej) przeznaczona była do improwizacji przez solistę. Dopiero w XIX wieku kadencje zaczęto komponować sam kompozytor. Część II koncertu jest powolna, część III to finał gatunkowy.

Wśród licznych koncertów Mozarta wyróżniają się koncerty fortepianowe – d-moll, c-moll, C-dur, Es-dur; skrzypce - D-dur, A-dur. Są to arcydzieła muzyki koncertowej i symfonicznej. Koncerty Mozarta są nie mniej symfoniczne niż jego symfonie.

Orkiestra Mozarta to ten sam skład, co orkiestra Haydna (w parach). Mozart jednak w większym stopniu wykorzystywał ekspresyjne właściwości instrumentów, ich melodyjność (zwłaszcza smyczków).

Mozart wraz z Haydnem stworzył klasyczny cykl sonatowo-symfoniczny kojarzony z takimi gatunkami jak symfonia, sonata, koncert, kwartet, kwintet itp. Jednocześnie jego cykl sonatowo-symfoniczny stanowi nowy etap w rozwoju tej struktury , co najwyraźniej objawia się w twórczości symfonicznej.

Większość symfonii została napisana przez Mozarta przed okresem wiedeńskim. W pierwszych symfoniach nawiązuje się do wczesnych symfonii Haydna i kompozytorów szkoły mannheimskiej. Jednak indywidualność stylu Mozarta jest już widoczna w tych symfoniach. Do najciekawszych dzieł tego gatunku należy siedem ostatnich symfonii powstałych w Wiedniu. Ogólnie rzecz biorąc, symfonie Mozarta reprezentują późniejszy typ symfonizmu w porównaniu z Haydnem. Ich ton jest bardziej intensywny, podekscytowany, dramatyczny, co znajduje odzwierciedlenie w formie prac. Mozart wzmacnia kontrast między tematami, zwłaszcza między częścią główną i wtórną. Gry poboczne z reguły opierają się na nowym materiale tematycznym. Ale tematy, pomimo kontrastu, uzupełniają się. Kompozytor często wprowadza kontrast wewnątrztematyczny, tj. kontrast między różnymi elementami tego samego tematu.

Symfonie Mozarta są bogate w tematykę tematyczną, jedna część może mieć kilka tematów. Rozwój sytuacji jest krótki i zwięzły. Techniki opracowania są bardzo różne: fragmentacja, wariacja, techniki polifoniczne itp. W powtórkach wprowadzono wiele innowacji w porównaniu z ekspozycją.

W symfoniach Mozarta istnieje związek z twórczością operową: 1) niektóre tematy bliskie są błazenady; 2) wiele tematów zbudowanych jest na zasadzie dialogu operowego.

Orkiestra, podobnie jak orkiestra Haydna, jest podwójna. Najlepsze symfonie kompozytora powstały w 1788 roku, są to symfonie nr 39 (Es-dur), nr 40 (g-moll) i nr 41 „Jowisz” (C-dur).

SYMFONIA nr 40.

Symfonia składa się z 4 części, jej tonacja jest g-moll.

Nie ma wprowadzenia.

Pierwsza część– sonata Allegro, g-moll . Główna impreza– jednocześnie melodyjny i podekscytowany, zawiera drugi motyw, ruch w górę na m. 6, po którym następuje stopniowo opadające wypełnienie. Najważniejsza jest tonacja. Partia boczna– bardziej elegancki, co kojarzy się z intonacjami chromatycznymi. Kluczem jest B-dur. Opracowanie opiera się wyłącznie na temacie części głównej, który dzięki technikom izolacji i polifonii oraz niestabilności tonalnej nabiera bardziej intensywnego i dramatycznego charakteru. W repryzie znaczącymi różnicami w stosunku do ekspozycji jest po pierwsze szersze rozwinięcie partii łączącej, po drugie utrzymanie partii bocznej w tonacji głównej, co nadaje jej bardziej melancholijny odcień.

Druga część– Andante, Es-dur. Forma to sonata. Charakter - jasny, spokojny, części główne i boczne mają niewielki kontrast. W główna impreza– charakterystyczne dla Mozarta powtórzenia dźwiękowe i wznoszące się zatrzymania, w bok– motywy kwarty opadającej.

Trzecia część– Minueta g-moll. Forma – 3-częściowa z trio. Części skrajne reprezentują nie tyle taniec, ile wewnętrzny stan psychiczny z nutą dramatyzmu. Pod koniec tematu pierwszego słychać chromatyczny ruch opadający, który był obecny w bocznej części części pierwszej. Część środkowa jest bardziej tradycyjna i ma charakter taneczny.

Część czwarta– finał, g-moll. Forma to sonata. Główna impreza składa się z dwóch kontrastujących ze sobą elementów: pierwszy wykonywany jest przez same smyczki na fortepianie i zbudowany jest na dźwiękach triady tonicznej, drugi wykonywany jest przez całą orkiestrę na forte i obejmuje śpiew . Partia boczna blisko bocznej części części pierwszej, jest także elegancki, dzięki ruchom chromatycznym, jest również zapisany w tonacji durowej równoległej, a w repryzie – w tonacji głównej, co nadaje jej ten sam melancholijny odcień.


CLAVIER DZIEŁO MOZARTA.

Twórczość klawiszową Mozarta reprezentują różne gatunki: sonaty, wariacje, fantazje, ronda itp. W utworach tych kompozytor z jednej strony kontynuował tradycje Jana Sebastiana Bacha, jego syna Filipa Emmanuela, a także Haydna, a z drugiej z drugiej strony wykazał się wobec nich innowacyjnym podejściem.

SONATA dur.

Sonata A-dur składa się z 3 części. Jego niezwykłą cechą jest to, że żadna część nie jest zapisana w formie sonatowej.

Pierwsza część– temat z wariacjami, A-dur. Temat przedstawiony jest w gatunku sycylijskim. Postać jest jasna, liryczna, melodyjna. Tekstura jest przezroczysta, kształt jest rozpoznawalny w dwóch częściach. Wariacje są klasyczne, ponieważ zachowują główne cechy tematu: tryb, tonację, tempo, wielkość, kształt, plan harmoniczny. Jednocześnie w każdej wariacji pojawiają się nowe elementy: w pierwszej wariacji - synkopowany bas, opóźnienia chromatyczne, w drugiej - triole z towarzyszeniem i pełne wdzięku melizmaty w głosie górnym, w trzeciej - dur zostaje zastąpiony nutami molowymi, a nawet szesnastymi pojawia się czas trwania, w czwartej – skrzyżowanie rąk, w piątej – tempo staje się wolniejsze (Adagio zamiast Andante), a czasy trwania są krótsze (trzydzieści sekund), w ostatniej szóstej wariacji tempo staje się szybsze (Allegro), zmienia się rozmiar (4/4 zamiast 6/8).

Druga część– Menuet, A-dur, forma – 3-częściowa z triem, kontynuuje taneczny charakter części pierwszej.

Trzecia część– rondo w stylu tureckim a-moll. Forma jest trzyczęściowa z dodatkowym refrenem, utrzymanym w tonacji A-dur i naśladującym pewne cechy marszów janczarskich. Część środkowa brzmi w tonacji fis-moll. Część końcową kończy koda w A-dur.

SONATA C-MOll.

Sonata jest wyjątkowa, ponieważ zaczyna się od dużego wstępu – Fantazji. Fantazja składa się z 6 sekcji, zbudowanych na zasadzie kontrastowej naprzemienności. Sekcje niestabilne przeplatają się ze stabilnymi, wolne z szybkimi, duże z mniejszymi.

Część 1, c-moll – niestabilna, napięta, dramatyczna o kontrastowym temacie; Sekcja 2 D-dur – lekka liryczna; Część 3 – szybka, dramatyczna, z kontrastującymi zmianami tonalności i tematu; Część 4, B-dur, przypomina część drugą; Sekcja 5 zawiera sekwencję czwartą piątą, szybką, intensywną; w części 6 powtarza się materiał z części 1, co nadaje całej części jedność i kompletność.

Pierwsza część, sonata Allegro, c-moll . Główna impreza– dramatyczny, kontrastowy, jego kontrast wynika z pierwszego tematu Fantazji . Impreza łącząca zawiera nowy motyw pośredni, który antycypuje motyw poboczny . Partia boczna zawiera nowy, jaśniejszy i liryczny obraz w stosunku do partii głównej, ma tonację Es-dur . Rozwój– krótki, zawiera 25 taktów, rozwija temat główny i pośredni . Potrącenie od dochodu uległ istotnej zmianie, w niej temat pośredni ekspozycji zostaje zastąpiony nowym, temat poboczny przedstawiony jest w tonacji głównej. Pierwsza część się kończy kod, który jest zbudowany na pierwszym elemencie partii głównej.

Druga część, Adagio, Es-dur, forma – 3-głosowa. Postać jest spokojna, narracyjna, motyw jest zabarwiony eleganckimi wzorami.

Trzecia część, Assai allegro, c-moll, forma – sonata rondo. Części główne i boczne kontrastują ze sobą: niespokojnemu, podekscytowanemu charakterowi części głównej przeciwstawia się jasna część boczna.

W. A. ​​MOZART. MSZA ŻAŁOBNA.

„Requiem” to największe dzieło Mozarta, które obok „Pasji” Bacha jest jedną z najwspanialszych tragedii w sztuce muzycznej XVIII wieku.

„Requiem” nazywane jest „łabędzim śpiewem” kompozytora. To jego ostatnia kompozycja, której nie zdążył dokończyć. Prace nad tym utworem ukończył przyjaciel i uczeń Mozarta Süssmayer, w oparciu o szkice i szkice kompozytora, a także w oparciu o to, co Mozart mu sam zagrał. „Requiem” powstało równolegle z operą „Czarodziejski flet”. Trudno wyobrazić sobie dwie bardziej różne prace. „Czarodziejski flet” to pogodna, wesoła bajka, „Requiem” to tragiczna msza pogrzebowa.

Mozart już wcześniej zwrócił się ku gatunkowi kantat i oratoriów. Pisał motety, kantaty i msze. Mimo tekstów duchowych dzieła te są nieskończenie dalekie od muzyki kościelnej i niewiele różnią się od dzieł świeckich. Przykładem jest finał solowego motetu „Hallelujah” – typowa wirtuozowska aria typu operowego.

W swoich pracach nad tekstami duchowymi Mozart głosił idee Oświecenia i nawoływał do powszechnego braterstwa i miłości.

Te same idee znalazły odzwierciedlenie w Requiem. Kompozytor odsłania tu najbogatszy świat ludzkich przeżyć, ucieleśnia swoją miłość do życia, do ludzi.

Sam gatunek mszy zakłada obecność polifonii. Mozart szczegółowo przestudiował sztukę J.S. Bacha, w swojej twórczości szeroko stosował techniki polifoniczne.

Świadczą o tym takie dzieła jak koncerty fortepianowe d-moll i c-moll, fantazja c-moll czy wielki finał Symfonii Jowiszowej.

„Requiem” to szczyt polifonicznego mistrzostwa Mozarta. W utworze tym odzwierciedlają się niemal wszystkie techniki pisma polifonicznego: imitacja, kontrapunkt, podwójna fuga itp.

„Requiem” składa się z 12 numerów, z czego 9 na chór i orkiestrę, 3 na kwartet solistów. W utworze znajdują się tradycyjne numery charakterystyczne dla każdej mszy („Panie, zmiłuj się”, „Święty”, „Baranek Boży”), a także części obowiązkowe, przynależne wyłącznie do mszy pogrzebowej („Wieczny odpoczynek”, „Dzień gniewu” , „Cudowna trąbka”, „Łzawa”).

1 część składa się z 2 części: 1 część – wolna – „Requiem aeternam” („Wieczny pokój”), 2 części – szybka – fuga podwójna „Kyrie eleison” („Panie, zmiłuj się”);

część 2– „Dies irae” – „Dzień gniewu”. To jest obraz Sądu Ostatecznego;

Część 3– „Tuba mirum” – „Wspaniała trąbka”. Rozpoczyna się fanfarą trąbki, po czym wchodzą pojedynczo soliści (bas, tenor, alt, sopran) i cały kwartet brzmi wspólnie;

Część 4– „Rex tremendae” – „Straszny Pan”;

Część 5– „Recordare” – „Zapamiętaj”;

Część 6– „Confutatis maledictis” – „Odrzucanie potępionych” to przykład niesamowitej odwagi i innowacyjności w dziedzinie harmonii;

Część 7– „Lacrymoza” – „Łzawa” – to liryczno-dramatyczne zwieńczenie całego dzieła;

Część 8– „Domine Yesu” – „Pan”;

Część 9– „Hostia” – „Ofiary”;

Część 10– „Sanctus” – „Święty”;

Część 11– „Benedykt” – „Błogosławiony”;

Część 12– „Agnus Dei” – „Baranek Boży”.


LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770 – 1827).

Muzyka rewolucji francuskiej. Francuska rewolucja burżuazyjna z 1789 r. była początkiem bardzo ważnego etapu w rozwoju historii. Miała ogromny wpływ na różne aspekty życia, w tym muzykę. W epoce rewolucji francuskiej muzyka nabrała masowego charakteru demokratycznego. W tym czasie powstało Konserwatorium Paryskie. Na ulicach i placach odbywały się przedstawienia teatralne, odbywały się masowe uroczystości.

Nowe czasy wymagały aktualizacji stylu. Plakat, sztuka niezwykle uogólniona, wysuwa się na pierwszy plan. W utworach muzycznych dominuje rytm marszów, marszów i prostych form akompaniamentu.

Ulice i place wymagały dużych orkiestr o potężnym brzmieniu, dlatego grupa instrumentów dętych blaszanych znacznie się powiększyła.

Pojawiły się nowe gatunki muzyczne, w szczególności piosenka masowa. Przykładami są „Marsylianka” Rougeta de Lisle’a, „Carmagnola”. Kantaty, oratoria i opery zostały wypełnione nową treścią. Na polu opery pojawił się nowy gatunek - opera „zbawienia i grozy”, która ukazywała walkę o ocalenie bohatera, zawsze kończącą się zwycięstwem dobra nad złem. Jednocześnie fabuła tych oper zawierała sceny grozy i sytuacje dramatyczne. Pierwszym takim dziełem była opera „Okropności klasztoru” Henriego Bertona. Opera „zbawienie i groza” wprowadziła do gatunku operowego wiele nowości: 1) bohaterami stali się zwykli ludzie, a nie wyjątkowe jednostki; 2) poszerzyła się sfera intonacyjna, bliższa muzyce codziennej; 3) wzrosła rola rozwoju symfonicznego i przekrojowego.

Charakterystyka twórczości Beethovena. Rewolucja Francuska, mimo znaczenia całej kultury, nie wydała na świat więcej niż jednego wybitnego kompozytora francuskiego, który odzwierciedlałby jej idee. Takim kompozytorem był znakomity przedstawiciel muzyki niemieckiej Ludwig van Beethoven, którego twórczość wykracza daleko poza granice swoich czasów. Z twórczością Beethovena związana jest twórczość wszystkich romantyków, rosyjskich muzyków i kompozytorów XX wieku.

Beethoven był rówieśnikiem potężnych ruchów rewolucyjnych przełomu XVIII i XIX wieku, a jego twórczość kojarzona była zarówno z ideami Rewolucji Francuskiej, jak i z ruchem rewolucyjnym w Niemczech i innych krajach europejskich.

Początki twórczości Beethovena: 1) Kultura francuska. Spotkał ją w Bonn, położonym niedaleko Francji, gdzie często rozbrzmiewała muzyka francuskich kompozytorów, zwłaszcza Grétry'ego i Monsegny'ego. Ponadto Beethoven był bliski hasłom Rewolucji Francuskiej - „Wolność, równość i braterstwo”;

2) Filozofia niemiecka związany z ruchem Sturm und Drang i kultem silnej osobowości;

3) najbogatszy Niemiecka kultura muzyczna, twórczość jego wybitnych przedstawicieli – Bacha, Haendla, Glucka, Haydna, Mozarta.

Beethoven jest ostatnim przedstawicielem klasycyzmu wiedeńskiego. Wiele upodabnia go do swoich poprzedników, ale też wiele go od nich odróżnia. Główną różnicą jest wykorzystanie tematów cywilnych . Główny temat twórczości Beethovena - temat "bohater" i ludzie ». Bohater zawsze wygrywa, jednak jego walka jest trudna i musi pokonać wiele przeszkód.

Nowy temat zapoczątkował także nowe środki wyrazu, w tym nową interpretację cyklu sonatowo-symfonicznego:

1) wiodącą rolę odgrywają obrazy żałosne, heroiczne, dramatyczne;

2) prace charakteryzują się ciągłym rozwojem. Rozwój przeważa nad ekspozycją;

3) między tematami istnieje nie tylko kontrast, ale konflikt, zwłaszcza między tematami strony głównej i drugorzędnej;

4) stosuje się zasadę kontrastu pochodnego, tj. kontrast łączy się z jednością, co przejawia się w podobieństwie intonacji pomiędzy częścią główną i wtórną (motywy niezależne, intonacje wspólne);

5) Motywy heroiczne często opierają się na dźwiękach triad i zawierają rytmy marszowe.

Kolejnym ważnym tematem w twórczości Beethovena jest tekst piosenki . Kompozytor przekazuje wszystkie subtelności ludzkich uczuć i nastrojów. Ale szczerość wypowiedzi lirycznej jest zawsze ograniczona wolą umysłu. To nie przypadek, że R. Rolland nazwał Beethovena „ognistym strumieniem w granitowym kanale”. Ta cecha liryki kompozytora przejawia się w surowości formy, w przemyślaności i kompletności partii.

Trzecim głównym tematem muzyki Beethovena jest motyw natury , któremu poświęconych jest wiele jego dzieł, m.in. VI symfonia „Pastoralna”, XV sonata „Pastoralna”, XXI sonata „Aurora”, wolne części sonat, symfonie, koncerty itp.

Beethoven zajmował się niemal wszystkimi gatunkami muzycznymi. Napisał 9 symfonii, 32 sonaty fortepianowe, 10 sonat skrzypcowych, 5 koncertów fortepianowych, uwertury, m.in. „Egmont”, „Coriolanus”, „Leonora nr 3”, operę „Fidelio”, cykl wokalny „Do odległego ukochanego” , msze itp. Jednak główne gatunki jego twórczości to muzyka symfoniczna i kameralna.

Beethoven podsumował najważniejszą epokę w historii muzyki – klasycyzm, i jednocześnie otworzył drogę do nowej ery – romantyzmu. Świadczą o tym następujące cechy jego twórczości: 1) śmiałość języka harmonicznego, stosowanie dur-moll, odległe relacje tonalne, ostre zmiany tonacji; 2) formy swobodniejsze, odejście od kanonów klasycznych, zwłaszcza w późniejszych sonatach; 3) synteza sztuk, przede wszystkim muzyki i literatury (finał IX symfonii); 4) zwrócenie się ku tak romantycznemu gatunkowi, jak cykl wokalny („Do dalekiej ukochanej”) itp.

Dzieło fortepianowe Beethovena. „Muzyka powinna rozpalać ogień w sercach ludzi” – te słowa Beethovena dają wyobrażenie o wielkości zadań, jakie postawił sobie i sztuce w ogóle. Myśli o historii, o losach narodów, inspirowane duchem rewolucji, stanowią podstawę tematu przewodniego wszystkich dzieł Beethovena, w tym jego sonat fortepianowych. Według B. Asafiewa „sonaty Beethovena to całe życie człowieka”.

Beethoven przez całe życie pracował nad sonatami fortepianowymi. Będąc wielkim wirtuozem, pokazał niewyczerpane możliwości wyrazowe instrumentu, który nie był jeszcze doskonały. Jeśli symfonia była dla Beethovena sferą monumentalnych idei, to w sonatach przekazał wewnętrzne życie człowieka, świat jego przeżyć i uczuć. Beethoven napisał 32 sonaty na fortepian, a już w pierwszej sonacie f-moll ujawniają się jasne cechy indywidualne, odmienne od Haydna i Mozarta. Beethoven odważnie przełamuje tradycyjne formy i w nowy sposób rozwiązuje problem gatunku sonatowego, tak jak Bach burzył podstawy ścisłej polifonii i stworzył swobodny styl polifoniczny.

Sonaty Beethovena ukazują ewolucję tego gatunku w twórczości kompozytora. We wczesnych sonatach cykl liczy od 3 do 4 części, w okresie środkowym przeważają 3 części, pojawia się tendencja do kompresji cyklu, pojawiają się sonaty 2-częściowe (19, 20). W późniejszych sonatach każda kompozycja jest indywidualna.

Sonaty fortepianowe Beethovena.

SONATA nr 8 „PATETYCZNA”».

Pierwsza część zaczyna się powoli wstępy (Wprowadzenie, Grób ) , w którym zawarty jest główny obraz dzieła – dramatyczny, intensywny. To jest centrum semantyczne treści sonaty, które świadczy o innowacyjności Beethovena i wytycza drogę do powstania muzyki przewodniej. Intonacja początkowa to progresywny ruch w górę, zakończony sekundą opadającą. Dramatyczny charakter tematu wiąże się z harmonią zmniejszonego akordu septymowego, rytmem punktowym i ostro zarysowaną intonacją. We wstępie następuje kontrast i zestawienie dwóch obrazów – dramatycznego i lirycznego. Istotą Wprowadzenia jest zderzenie i przemiana sprzecznych zasad. W dalszym rozwoju początkowa intonacja zmienia się na tryb durowy (Es-dur) i dźwięki fortepian i kolejne groźne akordy – mocna strona. W ten sposób powstaje nie tylko kontrast figuratywny, ale także dynamiczny.

Główna impreza prezentowane w tonacji głównej (c-moll). Niezwykłe jest to, że jest zbudowany na punkcie organów tonicznych i zawiera odchylenie w S, które jest bardziej typowe dla końcowych odcinków . Partia boczna składa się z dwóch tematów. Temat pierwszy – szybki, podekscytowany – brzmi nie w tonacji tradycyjnej (Es-dur), ale w es-moll. W basie znajduje się punkt organowy D, co również nie jest typowe dla sekcji ekspozycyjnych. Punkt organowy jest typowy dla konstrukcji rozwojowych. Temat drugi części bocznej przywraca bardziej znaną tonację dur równoległy i utrzymany jest w tonacji Es-dur. Jest spokojniejsza, bo... obejmuje długie czasy trwania i jest bardziej oświecony. Opracowanie rozpoczyna się od tematu wprowadzającego, który jest znacznie skrócony i rozwija głównie temat części głównej. Repryza powtarza materiał ekspozycji, ale w innych relacjach tonalnych: temat pierwszy partii bocznej utrzymany jest w tonacji f-moll, a nie c-moll. Klucz główny powraca w drugim temacie części bocznej. Część pierwszą kończy koda, w której ponownie rozbrzmiewa temat otwierający.

Druga część– liryczne centrum sonaty. Ujęty jest w tonacji As-dur i ma budowę trzyczęściową. To przykład typowego dla Beethovena liryzmu: temat jest melodyjny, ale ma charakter ścisły i powściągliwy. W środkowej części muzyka nabiera intensywniejszego brzmienia, bo rozpoczyna się w tonacji As-moll, ma charakter niestabilny i zawiera trojaczki. Repryza ma charakter dynamiczny, w którym temat pierwotny przebiega na tle części triolowej zapożyczonej z części środkowej.

Trzecia część zapisana w tonacji głównej, ma formę rondo sonata. Zasadnicza różnica w stosunku do formy sonatowej polega na tym, że na końcu ekspozycji, po części końcowej, ponownie wykonywany jest temat części głównej. Główną część słychać ponownie pod koniec repryzy. Zamiast rozwoju - odcinek As-dur. Temat części głównej nawiązuje intonacyjnie do tematu pierwszego części bocznej z części pierwszej. Część boczna ułożona jest w tomie równoległym.

SONATA nr 14 „KSIĘŻYC”

Sonata ta została skomponowana w 1801 r. i opublikowana w 1802 r. Jest poświęcony hrabinie Giulietcie Guicciardi. Nazwę „księżycową” nadał sonacie współczesny poeta Beethovena Ludwig Relstab, który porównał muzykę pierwszej części sonaty z krajobrazem jeziora Firwaldstät w księżycową noc.

Beethoven stworzył tę sonatę w trudnym okresie swojego życia. Z jednej strony przyszła już do niego sława jako kompozytora i wirtuoza, był zapraszany do domów najwybitniejszej szlachty i miał wielu mecenasów. Z drugiej strony przestraszył się nadchodzącej głuchoty, która postępowała coraz bardziej. Tragedię muzyka, który utracił słuch, pogłębiła tragedia człowieka, który doświadczył uczucia nieodwzajemnionej miłości. Uczucie, jakie żywił Juliet Guicciardi, było najwyraźniej pierwszą głęboką pasją miłosną Beethovena i pierwszym równie głębokim rozczarowaniem. W październiku 1802 roku kompozytor napisał słynny „Testament Heiligenstadt” – tragiczny dokument swojego życia, w którym desperackie myśli o utracie słuchu łączą się z goryczą oszukanej miłości.

„Sonata księżycowa” to jedna z pierwszych kompozycji Beethovena po przejściu przez niego kryzysu psychicznego i twórczego.

Sonata napisana jest w tonacji cis-moll i składa się z 3 części.

Pierwsza część niezwykłe. Zamiast ogólnie przyjętego allegra sonatowego rozbrzmiewa tu Adagio. Sam kompozytor określa to jako fantazję. I rzeczywiście, pierwsza część przedstawiona jest w charakterystyczny dla fantastyki sposób preludium-improwizacji. Część pierwszą rozpoczyna krótki wstęp, w którym na tle podtrzymanego basu rozłożone są trzydźwiękowe akordy w rytmie triolowym. Następnie pojawia się melodia główna, o surowo skupionym charakterze. Charakteryzuje się powtarzalnością dźwięków, przerywanym rytmem i spokojną dynamiką. Forma zbliża się do trzech części. W części środkowej temat nabiera bardziej intensywnego i dramatycznego charakteru, wprowadzane są zredukowane współbrzmienia i przejścia do innych tonacji. Repryza jest skompresowana i opiera się na stopniowym zanikaniu tematu.

Druga część - Allegretto Des-dur. Uważany jest za portret Giulietty Guicciardi. Druga część jest zabawna, pełna wdzięku z elementami tańca. R. Rolland nazwał go „kwiatem między dwiema otchłaniami”, ponieważ kontrastuje ostro z skrajnymi częściami. Forma drugiej części to złożony trzyczęściowy trio. Temat główny przedstawiony jest w strukturze akordowej, w rytmie 3-taktowym.

Trzecia część– Presto agitato, cis-moll. To jest środek ciężkości całej sonaty. Część trzecia została napisana w rozwiniętej formie sonatowej. Końcową część wyróżnia niepohamowana energia, napięcie i dramatyzm. R. Rolland definiuje to jako strumień gradu, „który uderza i wstrząsa duszą”. Równie metaforyczna jest jego charakterystyka głównej partii, którą porównuje do fal toczących się i rozbijających o granitowe płyty. Rzeczywiście, główna część zbudowana jest na ruchu wznoszącym się wzdłuż dźwięków rozłożonej triady, której towarzyszy toniczna kwinta, zakończona uderzeniami akordów. Drugie zdanie strony głównej rozwija się w stronę łączącą, która bezpośrednio zamienia się w stronę drugorzędną. Partia boczna ma wyraźną linię melodyczną i ma charakter buntowniczy i porywczy. Część boczna została napisana nie w tradycyjnej dur równoległy, ale w tonacji dominującej molowej, czyli tzw. Gis-moll. Końcowa część jest dość rozbudowana, przedstawiona w akordach. Rozwój stanowi intensywny rozwój tematów głównych i pobocznych. W repryzie wszystkie tematy wybrzmiewają w tonacji głównej. Finał wyróżnia się rozwiniętą kodą, będącą niejako rozwinięciem drugim. Technika ta jest charakterystyczna dla symfonii Beethovena i wskazuje na przenikanie zasady symfonicznej do gatunku sonatowego.

SONATA nr 23 „APACE».

Appassionata Sonata jest dedykowana zagorzałemu wielbicielowi Beethovena, hrabiemu Franzowi Brunswikowi. Beethoven zaczął ją komponować w 1804 r., a ukończył prawdopodobnie w 1806 r. Została opublikowana w 1807 r.

Tytuł „appasionata” nie należy do samego kompozytora, ale do hamburskiego wydawcy Kranza. Niemniej jednak nazwa ta dobrze oddaje istotę dzieła i dlatego jest z nią mocno związana. Beethoven zaczął tworzyć sonatę w trudnym dla siebie roku. Doznał tych samych uczuć, co przy tworzeniu Sonaty „Księżycowej”. Postępująca i nieznośna dla muzyka głuchota, bolesne przeciwności losu w miłości i przyjaźni, ciągła samotność psychiczna – wszystko to stworzyło warunki do ponurego, tragicznego dzieła. Ale potężny duch Beethovena pomógł mu pokonać te próby. Dlatego sonata jest nie tylko dramatyczna, ale przepełniona ogromną wolą i energią.

Sonata napisana jest w tonacji f-moll i składa się z 3 części. Pierwsza część - Allegro assai, forma sonatowa. Tutaj kompozytor po raz pierwszy zrezygnował z powtarzalnej ekspozycji, dlatego cała część pierwsza brzmi jednym tchem. Główna impreza składa się z 3 kontrastujących elementów. Pierwszy element reprezentuje ruch unisono wzdłuż dźwięków triady tonicznej, najpierw w ruchu opadającym, a następnie w ruchu wznoszącym. Prawa i lewa ręka wykonują element początkowy w odległości dwóch oktaw. Drugi element ma kształt trylu. Trzeci to motyw czterodźwiękowy, nawiązujący w swej naturze do tematu losu z V symfonii. Strona główna nie tylko prezentuje materiał, ale także od razu go rozwija. Partia boczna utrzymany w tonacji As-dur, powiązany intonacyjnie z pierwszym elementem części głównej, zawiera jednak niezależny obraz – majestatyczny, surowy i odważny. Jest to zasada kontrastu pochodnego. Rozwój rozwija tematy w tej samej kolejności, co w ekspozycji, ale wyróżnia się niestabilnością tonalną i odmienną fakturą, przez co jest odbierany bardziej dramatycznie. Przed powtórką słychać potężne uderzenia „motywu losu”. Przenika ten sam motyw potrącenie od dochodu- na nim zbudowana jest główna partia. Partia poboczna w repryzie utrzymana jest w tonacji F-dur. Efektem rozwoju pierwszej części jest kod. Część pierwsza wyróżnia się rozmachem i intensywnością rozwoju, co wyróżnia „Appassionatę” na tle pozostałych sonat kompozytora.

Druga część – Andante con moto, Des-dur. Jej charakter kontrastuje z pierwszą częścią, brzmi spokojnie, kontemplacyjnie, beethovenowo, surowo lirycznie. Forma jest zmienna. Temat przedstawiony jest w dolnym rejestrze w fakturze chóralnej, akordowej. Wariacje opierają się na stopniowym rytmicznym przyspieszaniu, tj. z każdą zmianą czasu trwania stają się one krótsze: ósemki, szesnastki, trzydziestosekundowe nuty. Pod koniec drugiej części tajemniczo i ostrożnie rozbrzmiewa zmniejszony akord septymowy, po czym bez przerwy rozpoczyna się część trzecia.

Trzecia część– Allegro ma non troppo, f-moll. Finał ma wiele wspólnego z pierwszą częścią, zarówno jeśli chodzi o charakter, jak i sposoby rozwoju. Współcześni Beethovenowi dostrzegli w tej sonacie podobieństwo do „Burzy” Szekspira i dlatego nazwali ją „szekspirowską”. Trzecia część dała ku temu największe podstawy. Finał jest jeszcze jaśniejszy niż pierwsza część i przypomina pojedynczą trąbę powietrzną. Forma jest sonatowa, ale wszystkie sekcje wydają się być ze sobą połączone. W kodzie finałowej tempo przyspiesza i pojawia się tonacja As-dur, co pozwala uznać ją za dopełnienie nie tylko części finałowej, ale całej sonaty. To wynik ludzkiego dramatu, pełnego wewnętrznych sprzeczności i zakończonego śmiercią bohatera. Ale mimo tragicznego zakończenia w sonacie nie ma pesymizmu, bo bohater na końcu swojej podróży odnalazł sens życia, dlatego „Appassionata” uznawana jest za „tragedię optymistyczną”.

SYMFONIA nr 5.

Twórczość symfoniczna. Symfonizm Beethovena wyrósł na gruncie przygotowanym przez Haydna i Mozarta, w którego twórczości ostatecznie ukształtowały się zasady budowy i rozwoju cyklu sonatowo-symfonicznego oraz formy sonatowej. Ale symfonie Beethovena reprezentują nowy, wyższy etap symfonizmu. Świadczy o tym skala symfonii, która znacznie przewyższa skalę symfonii jego poprzedników, a także treść wewnętrzna, z reguły heroiczno-dramatyczna, oraz dźwięczność orkiestry wynikająca ze zwiększenia składu orkiestry i przede wszystkim grupa dęta. Na rozwój symfonizmu Beethovena wpływ miała muzyka rewolucji francuskiej z jej bohaterskimi obrazami, rytmami marszów i kampanii, intonacjami fanfar i potężnym brzmieniem orkiestry. Ponadto wewnętrzny kontrast symfonii wiąże się z zasadami dramaturgii operowej.

Beethoven stworzył dziewięć symfonii. W porównaniu z Haydnem i Mozartem to niewiele, ale są ku temu powody. Po pierwsze, Beethoven zaczął pisać symfonie dopiero w wieku trzydziestu lat, wcześniej nie odważył się sięgnąć po ten gatunek, zdając sobie sprawę z pełnej odpowiedzialności za pisanie symfonii. Po drugie, z tego samego powodu symfonie pisał dość długo: III symfonia trwała półtora roku, V symfonia cztery lata, IX symfonia dziesięć lat. Wszystkie symfonie reprezentują konsekwentną ewolucję tego gatunku w twórczości kompozytora. Jeśli pierwsza symfonia zarysowała jedynie cechy symfonizmu Beethovena, to dziewiąta symfonia jest zwieńczeniem rozwoju tego gatunku. W finale tej symfonii Beethoven umieścił tekst poetycki – „Odę do radości” Schillera, antycypując w ten sposób epokę romantyzmu z jej syntezą sztuk.

Symfonia nr 5- jeden ze szczytów symfonizmu Beethovena. Jego główną ideą jest heroiczna walka, pełna dramatycznego napięcia i niepokoju, ale zakończona przekonującym zwycięstwem. Dlatego dramaturgia symfonii budowana jest „od ciemności do światła poprzez walkę i cierpienie”.

Piąta symfonia napisana jest w tonacji c-moll i składa się z 4 części. Ogromną rolę w symfonii odgrywa czterotakt. wstęp , w którym brzmi „motyw losu”. Jak stwierdził sam kompozytor, „tak los puka do drzwi”. Wprowadzenie to pełni w symfonii tę samą rolę, jaką pełni motyw przewodni w operze. Motyw losu przenika wszystkie części tej pracy.

Pierwsza część– Allegro con brio, c-moll. Forma to sonata. Główna impreza– dramatyczny, buntowniczy, rozwija temat wstępu. Impreza łącząca reprezentuje nowy etap w rozwoju partii głównej, kończący się fanfarowymi ruchami antycypującymi partię drugorzędną. Partia boczna(Es-dur) – bardziej liryczny, miękki, kontrastujący z częścią główną. Stopniowo sytuacja staje się dramatyczna. Gra końcowa opiera się na materiale głównej części, ale brzmi bardziej odważnie i heroicznie. Rozwój– ciągły rozwój intonacji partii głównej. U szczytu rozwoju rozpoczyna się kulminacja potrącenie od dochodu. Nowością w repryzie w stosunku do ekspozycji jest, po pierwsze, solo oboju w części głównej, po drugie, wykonanie partii bocznej w tonacji C-dur i nowa orkiestracja. Kod potwierdza temat partii głównej, nie daje jeszcze konkluzji, przewaga jest po stronie złych, wrogich sił.

Druga część– Andante con moto, As-dur. Forma jest podwójną wariacją, jak w drugiej części Symfonii Es-dur Haydna (103 Symfonia z tremolo kotłów). Temat pierwszy jest gładki, pieśniowy, falisty. Temat drugi w pierwszym wykonaniu ma charakter zbliżony do pierwszego, w drugim wykonaniu nabiera fanfarowego, heroicznego charakteru za sprawą głośnej dźwięczności (ff), brzmienia orkiestry dętej. Tematyka jest następnie zmieniana jeden po drugim.

Trzecia część– Allegro, c-moll. Jest to scherzo napisane w złożonej formie 3-częściowej z trio. Charakter muzyki w częściach skrajnych nie odpowiada definicji scherza jako żartu. To scherzo brzmi dramatycznie. Pierwsza część porównuje dwa tematy. Temat pierwszy składa się z dwóch elementów: pierwszy element reprezentuje unisono wznoszący się ruch wzdłuż dźwięków triady tonicznej, drugi element to płynniejszy, akordowy ruch. Drugi motyw jest młotkowy, obsesyjny i opiera się na „motywie losu”. Trio - C-dur - najbardziej zgodne z tradycyjnym charakterem scherza. Temat jest ciężki, szorstki, taneczny z odrobiną zdrowego, ludowego humoru. Prezentowany jest w unisono brzmieniu wiolonczeli i kontrabasów. Repryza jest dynamiczna, mięknie pod wpływem tria, jej orkiestracja jest bardziej przejrzysta.

Część czwarta, finał – Allegro, C-dur. Finał ma charakter radosny i świąteczny. Formą jest sonata, w której część główna i wtórna nie kolidują ze sobą, lecz się uzupełniają. Koda finału jest zakończeniem całej symfonii. Siły zła zostają ostatecznie pokonane, a wyzwolona ludzkość cieszy się z długo oczekiwanego zwycięstwa.

Mozart pisał opery przez całe życie, począwszy od 11 roku życia. Jednak jego największe osiągnięcia w tej dziedzinie sięgają okresu wiedeńskiego („Wesele Figara”, „Don Giovanni”, „Czarodziejski flet”). Mozart pisał opery różnych typów i gatunków:

    Singspiel (Uprowadzenie z Seraju, Czarodziejski flet)

    opera-buffa („Wesele Figara”, „Tak robią wszystkie kobiety”)

    operas-seria („Idomeneo, król Krety”, „Miłosierdzie Tytusa”).

Opera "Don Juan", łączący w sobie cechy muzycznej tragedii i komedii, nie daje się sprowadzić do żadnego z tych typów. Mozart nazwał to „dramatem gejowskim”. Opera ta powstała na zamówienie Opery Praskiej. Najwyższym osiągnięciem opery jest tendencja do całościowego rozwoju, przy tradycyjnym podziale na liczby całkowite.

Opera „Wesele Figara” napisany na podstawie drugiej części trylogii Beaumarchais „Szalony dzień, czyli wesele Figara”, mimo że został zakazany przez cenzurę (komedia obnaża feudalno-arystokratyczny porządek Francji w przededniu rewolucji burżuazyjnej 1789 r.) .

W operze „Czarodziejski flet” Odzwierciedlone zostały niektóre aspekty masonerii, nauczania religijnego i etycznego, do którego należał Mozart i który w ostatnich latach napisał kilka kantat masońskich. Opera jest baśnią filozoficzną, której znaczeniem jest zwycięstwo światła nad ciemnością, rozumu i dobra nad złem. Idealne królestwo sprawiedliwości, braterstwa i przyjaźni jest tu gloryfikowane w baśniowej formie. W Czarodziejskim flecie Mozart sięga po gatunek Singspiel, posługując się mówionymi dialogami i tekstem w języku niemieckim. Beethoven uznał tę operę za być może najlepszą operę Mozarta. Goethe był tak zafascynowany Czarodziejskim fletem, że wymyślił jego kontynuację, a nawet zaczął pisać libretto.

Wraz z Gluckiem Mozart był największym reformatorem XVIII-wiecznej opery. Ale w przeciwieństwie do niego nie zadeklarował teoretycznie swojej reformy. Jeśli Gluck chciał podporządkować muzykę akcji dramatycznej, to dla Mozarta, wręcz przeciwnie, muzyka była podstawą opery. Mozart napisał: „W operze poezja musi być posłuszną córką muzyki”. Mozart uważał, że tekst libretta powinien być zwięzły i nie przeciągać akcji.

Jednym z najwyższych innowacyjnych osiągnięć dramaturgii operowej Mozarta jest opanowanie cech muzycznych aktorzy. Przed Mozartem muzyczne cechy bohaterów były prawie całkowicie ignorowane. Były to swego rodzaju muzyczne „maski” z rozwiniętymi technikami wyrazu. Nie uciekając się do motywów przewodnich, Mozart obdarzył bohaterów swoich oper zwrotami melodycznymi, tworzącymi spójny obraz. Zatem na obrazie Don Juana podkreśla się jego umiłowanie przyjemności życiowych, odwagę i odwagę; na obraz Suzanne - kobieca atrakcyjność, przebiegłość. Charakterystyka muzyczna bohaterów skupia się w ariach. Mozart przypisuje także ważną rolę zespołom, które zazwyczaj charakteryzują się intensywnym rozwojem dramatycznym.

4. Dzieła symfoniczne Mozarta. Symfonie. Koncerty.

Gatunki muzyki symfonicznej tworzonej przez Mozarta to symfonie, serenady, dywersacje, kasacje (gatunek zbliżony do serenady), koncerty na różne instrumenty z orkiestrą.

Przez całe życie Mozart pracował jednocześnie nad operami i dziełami instrumentalnymi, co doprowadziło do ich powstania wzajemne oddziaływanie: Muzyka operowa wzbogacona jest technikami rozwoju symfonicznego, muzyka instrumentalna nasycona jest melodyjnością. Wiele muzycznych obrazów dzieł symfonicznych i kameralnych Mozarta przypomina arie i zespoły z jego oper (partie G.P.I 40. symfonii i aria Cherubina „Nie wiem, nie potrafię wyjaśnić”, „Aria z portretem” Tamino z „Czarodziejskiego fletu” i temat II części 40 symfonii).

Obrazy symfonii Mozarta:

    liryczny

    taniec

    dramatyczny

    filozoficzny.

Dramatyzm często osiągano poprzez obecność kontrastujących elementów w ramach jednego tematu – charakterystyczna cecha stylu Mozarta, który rozwinął się w twórczości Beethovena (G. P. I partie 41 symfonii „Jowisz”, składającej się z 2 kontrastujących elementów: odważnego- bohaterski i liryczny). Obecność dwóch kontrastujących ze sobą elementów w jednym temacie jest bodźcem do późniejszego rozwoju, porównywania i zderzenia różnych obrazów muzycznych.

Mozart napisał swoje pierwsze symfonie w wieku 8 lat, pod wpływem symfonii I.K. Kawaler. Wczesne symfonie Mozarta mają charakter zbliżony do suity, serenady, Divertimento i nie posiadają organicznej jedności cyklu.

Trzy najsłynniejsze symfonie Mozarta powstały w 1788 roku:

    nr 39 Es-dur – heroiczno-dramatyczny, lekki, oparty na motywach tanecznych;

    Nr 40 g-moll – wyrazisty lirycznie, nabożnie podekscytowany. Czasami nazywa się go „werterowskim”, ponieważ. narodził się on, podobnie jak „Cierpienia młodego Wertera” Goethego, w atmosferze okresu „Burzy i burzy”, z jego wzmożoną emocjonalnością i wylewem uczuć, antycypując tym samym romantyczny symfonizm.

    nr 41 C-dur („Jowisz”) – majestatyczny, monumentalny (nazwy Mozart nie podał). Jego osobliwością jest to, że cały rozwój prowadzi do monumentalnego finału, wieńczącego symfonię, niczym majestatyczna kopuła wieńcząca imponującą katedrę (finał jest połączeniem allegra sonatowego i potrójnej fugi).

Jedno ze znaczących miejsc w twórczości Mozarta zajmuje koncerty na różne instrumenty z towarzyszeniem orkiestry. Koncert w stylu klasycznym obejmuje dwie ekspozycje:

    I - ekspozycja orkiestrowa, na której prezentowany jest główny materiał tematyczny

    II – ekspozycja instrumentu solowego.

Partia solowa wyróżniała się wirtuozerią. Swobodna kadencja wirtuozowska (po K 6 4 przed kodą części pierwszej) przeznaczona była do improwizacji przez solistę. Kadencje zaczął komponować sam kompozytor dopiero w XIX w. Druga część koncertu jest powolna, trzecia część stanowi finał gatunkowy.

Wśród licznych koncertów Mozarta wyróżniają się koncerty fortepianowe – d-moll, c-moll, C-dur, Es-dur; skrzypce - D-dur, A-dur. Są to arcydzieła muzyki koncertowej i symfonicznej. Koncerty Mozarta są nie mniej symfoniczne niż jego symfonie.

Orkiestra Mozarta to ten sam skład, co orkiestra Haydna (w parach). Mozart jednak w większym stopniu wykorzystywał ekspresyjne właściwości instrumentów, ich melodyjność (zwłaszcza smyczków).